[ Crítica ] Flight.

Robert Zemeckis y Denzel Washington tienen una buena dinámica dentro de este filme de corte dramático envuelto en una nube de manipulación, alcohol, drogas y más. La película tiene una dinámica bastante entretenida durante los primero 30 minutos, son de gran tensión durante toda la escena del descenso del avión en caída, ahí tuve la sensación de imaginarse uno en esa situación, de impotencia.

Está bastante bien lograda la escena estéticamente pero técnicamente se ve algo falsa, como que realmente no crees que así se maneje un avión, no lo sé; un punto en el que me quedé raramente sorprendido fue si realmente se puede pilotar un avión de cabeza, no sé si físicamente sea posible por más que luego te explican en el filme cómo y para qué se hizo.

Luego de pasar de héroe nacional por salvar la vida de casi un centenar de personas y que fallecieran sólo unas cuantas, la trama se torna algo fuerte al ver a un capitán honorable públicamente y deshonroso internamente, pues es controlado por su vicio al alcohol y esto le trae graves consecuencias pero no es capaz de dejarlo, aunque tenga grandes y terribles problemas no puede hacerlo. Se enreda con una mujer que conoce en un lugar cualquiera, tiene problemas con ella, sigue adelante y al final llegará a sentar cabeza, afrontar sus demonios internos y asumir la responsabilidad de sus acciones; es aquí cuando nos hallamos en el punto álgido de la película, al estar enjuiciando el capitán Whitaker, Washington nos da una prueba de por qué es tan buen actor, encarna y demuestra con una fabulosa cara de angustia el sentir de alguien que pasa por tan terrible lucha consigo mismo y asume sus consecuencias a pesar de tener la posibilidad de salir ileso del proceso legal.

A mi parecer el filme se queda en un 8 sobre 10, pues aunque dura poco más de 120 minutos, muchos de ellos siento yo que están de sobra, la relación con la mujer sola con la que se encuentra es tan inverosímil que no fue un detonante para salir adelante, para tomar una decisión, la sentí forzada y un poco hasta de relleno, puntos negativos.

Al final, esta producción te mantiene entretenido, te hace pasar un buen rato y terminas agradeciéndolo, se las recomiendo con algunas reservas.

[ Crítica ] Kon-Tiki.

'Kon-Tiki' narra la historia del explorador noruego Thor Heyerdahl y su grupo de aventureros en la decisión de cruzar, con una balsa de madera y totalmente natural, el océano Pacífico desde Perú hasta la Polinesia para demostrar la teoría de que fueron los sudamericanos los que conquistaron esta tierra por primera vez y no los asiáticos como se viene diciendo hasta ese momento.

Bajo esta premisa, la película basada en hechos reales (lo cual le da un cierto interés añadido a la hazaña) es una aventura marina bastante estimulante que, aunque tarda en arrancar, regala un más que correcto entretenimiento durante sus dos horas. La fotografía del film es una de sus mejores virtudes, utilizada para mostrarnos algunas bellas imágenes del mundo marino y paisajes en momentos puntuales. 

A pesar de todo, el film podría haber dado más de sí en sus formas y contenido, uno tiene la sensación de historia desaprovechada y con pocos elementos que arrastren al espectador a la deriva de la situación, que en algunas circunstancias angustiosas bien lo vale. Aunque por otra parte se agradece cierta sequedad en la dirección, ofreciendo más realismo y sensación de crónica verídica, rehuyendo de una épica que igual le habría perjudicado. 

La película nos deja un muy buen sabor de boca, además del intrínseco mensaje de perseguir tus sueños y realizarlos a través de la convicción de ser firmes en nuestras creencias y principios, muy valiosa historia de superación personal y demostración de nuestra fe en nosotros mismos.

Spoiler:

El final de la película con las diapositivas de imágenes de los protagonistas reales del acontecimiento siempre es de agradecer en este tipo de historias, otorgando un carácter más afín a lo narrado en el filme.

[ Crítica ] Hitchcock.

'Hitcock' nos presenta la decisión del 'Maestro del suspense' Alfred Hitchcock de filmar una película de terror aparentemente de baja categoría. Ningún estudio apoyaba el proyecto, así que él mismo decide financiarlo y rodarla con un equipo barato de TV. El resultado fue un fenómeno internacional y una de las películas más famosas e influyentes de la historia.

Ahora, el desarrollo del filme en sí, al ser un biopic tiene la obligada comparación con la cercanía que tiene a la realidad. Tiene un poco de desmérito que tuvieran que hablar en la pretendida relación de Alma con su compañero escritor para mostrar un lado sensible de Hitchcock, creo hubiera estado mejor centrarse en su vida como cineasta y adentrarse más en la realización de la película que le dio el mayor reconocimiento, 'Psicosis'.

Sin embargo, hay muchos puntos a resaltar sobre esta buena película: el maquillaje de todos está muy bien realizado, sorprendentemente bien hecho, a mi parecer, pues al ver maquillajes, me vienen a la mente los que hicieran para 'J. Edgar' de Di Caprio, que fueron terriblemente malos en la parte de la vejez de Hoover y su compañero; Hopkins, aunque no luce enteramente como Hitchcock, sí se parece muchísimo, Mirren está muy parecida, Johansson y hasta quien interpreta a Norman Bates está muy bien caracterizado.

La trama está bien aplicada, aunque hay momentos que se siente que el personaje principal se pierde un poco.

Pero no todo es malo, la recreación de la escena de la bañera de 'Psicosis' es muy buena, pues Hitchcock de basa en sus demonios internos para demostrar la intención con la que un asesino haría el trabajo, liberar toda esa presión para sentir el alivio tan ansiado; la negociación con los estudios que Alfred hacía al sentirse un poco arrogante sobre su fama, y al ser rechazado por los mismos; la intimidad del pensamiento a la cama del protagonista, es de apreciarse.

Algo que sabía yo como espectador y fan de Hitchcock era la influencia de Ed Gein, asesino serial estadounidense, en la historia tras 'Psicosis', pero no pensé que éste último tuviera tanta incidencia en la película, lo cual me pareció bueno, un punto a favor.

Y al final tenemos una obra que nos da una visión de la vida de Hitchcock, que aunque es buena, le faltó un poco de intensidad en el desarrollo personal del personaje de principal, pero nos da una idea de cómo fue que se inspiraron para hacer aquella reconocida obra. Vale la pena verla, está entretenida.

[ Crítica ] Argo.

'Argo' nos lleva a 1979, a la conflictiva situación creada por el secuestro por parte de un grupo de iraníes de la embajada de los Estados Unidos en Teherán. Canadá y EEUU se verán forzados a unir fuerzas para conseguir infiltrarse en el país y rescatar a un grupo de diplomáticos atrapados tras el sitio. Ningún plan parece tener las suficientes probabilidades de éxito, y el “menos malo” que encuentran es introducirse alegando ser el equipo de rodaje de una película de ciencia ficción y camuflar a los diplomáticos como parte de los técnicos.

El ritmo de la cinta es formidable y gana terreno una vez que el protagonista toma las riendas del asunto. La intriga nos mantiene con el pulso en vilo y, aunque peque de cierta endogamia hollywoodense, lo cierto es que cada referencia está bien traída y justificada. Las labores de documentación, ambientación, localizaciones y puesta en escena son de lo más loables.

La tensión dramática está presente desde el primer fotograma hasta el último, y hay muchas veces en los que el corazón casi te da un vuelco, a tenor de una narrativa ágil y un montaje verdaderamente ejemplar. Toda la tensión del riesgo mortal para los diplomáticos, es articulada con una habilidad realmente sobrecogedora, manejando el ritmo con una precisión milimétrica. La banda sonora de Alexandre Desplat logra que en todo momento estemos implicados en la historia, y Affleck además tiene la inteligencia de mezclar imágenes reales del altercado con la recreación de la película que nos ocupa -y que por sus labores de dirección artística y recreación merece estar entre lo más granado del cine histórico, cosa que llega a niveles realmente sorprendentes cuando comprobamos en los créditos finales los parecidos físicos entre los actores y los personajes reales de la historia. 

Un punto en contra, dentro de esta buena obra es que ésta empieza con un alarde de rigor histórico, que si bien nos cuenta la historia fiel a la realidad, con muchos detalles y te mete de lleno en ella, termina en un nuevo alarde patriótico, que es el gran error de la mayoría de estas producciones; está bien que Estados Unidos haya salvado a sus diplomáticos, pero la película desagrada, tanto en la parte del patriotismo prefabricado como en el cliché final de que no estuvo presente Affleck en el cumpleaños de su hijo, hay que dejar esas simplezas para otras producciones.

Una cosa que sí detesto es el patriotismo exacervado por parte de los habitantes de la -mal llamada- América, Estados Unidos pues. Condecoraron a los rehenes, reconocieron a Canadá y satanizaron a Irán, como siempre lo han hecho a sus conveniencias.

La película merece un 8 por esos detalles que hacen que cuando todo iba bien, siente uno una ligera decepción en el predecible final.

[ Crítica ] Brake.

'Brake' narra la historia de un agente del Servicio Secreto de los Estados Unidos que ha sido raptado; está encerrado en una especie de cofre de plástico cristalino muy resistente que no le permite salir sin saber siquiera por qué ha sido abducido.

Durante los 92 minutos que dura el filme, tiene varios giros de tuerca que nos hacen mantenernos atentos lo que ocurre con Jeremy Reins (Stephen Dorff) dentro de tan reducido espacio, que poco a poco se irá dando cuenta del propósito de su confinamiento.

Bien realizada, con poco presupuesto y buenas actuaciones, 'Brake' lleva a cualquiera que la vea a adentrarse en la historia, principalmente por no saber qué ocurre afuera y eso es, la curiosidad innata del hombre de saber, lo que, aunque pretendamos que no, nos mantiene atentos.

Un 8 es lo que le otorgo a esta película porque, a pesar de que mantiene un ritmo que no decae, tiene un final algo diferente que nos deja un mal sabor de boca y un remate que es un cliché, eso hace que el filme parezca predecible.

Spoiler:

El final de la película cuenta cómo Jeremy es sometido a todo tipo de pruebas para quebrantar su lealtad para con su país, pues se presume que está ocurriendo un ataque terrorista y éste cesará a cambio de saber la ubicación del búnker secreto del presidente de la nación, el cual Jeremy sabe porque es parte de la guardia personal del mandatario. 

Resulta que todo fue un muy elaborado truco para ver si resistía o no. Y lo hace. A mi parecer, ésto deja un mal sabor de boca, como comentaba anteriormente, porque a pesar de que toda la producción se desarrolla de manera, a veces, trepidante, nos provoca la sensación de que todo el circo que se armó, como historia, no valió la pena, pues como espectador uno espera un final diferente a decir que fue una prueba, la pasó y todos felices.

No contentos con esto, y al parecer alguien les dijo lo anteriormente mencionado, hicieron un remate al hacer que la esposa de Reins y toda la corporación de seguridad, estuviera coludida con los terroristas. Jeremy Reins confiesa el lugar donde está el búnker y no tiene más que sufrir las consecuencias de su deslealtad. Cliché en potencia.

[ Crítica ] Rise of the guardians.

Que no te engañe la puntuación, la película no es mala, objetivamente un 8 es lo que merece en lo que respecta a la calidad del guión y a su narrativa, pero en realidad uno sale de la sala de cine con la sensación de que estás conforme con lo que viste y que logró, de alguna manera, tocar tu corazón.

'Rise of the guardians' no es un filme a la altura de otras películas exitosas de Dreamworks, pero tampoco es mala, de hecho, te sorprende el contenido que pretende transmitir esta historia; diría que más que el argumento en sí, lo verdaderamente interesante son la variedad de mensajes de índole moral y afectivo que se quiere trasmitir al espectador y que están de alguna forma impresos en ciertos personajes bajo una problemática emocional, particularmente en el caso de Jack Frost (que vendría a ser el que tiene más peso protagónico en la historia) con el tema de su soledad, un muchacho inmerso en su deseo de ser apreciado por otros que desgraciadamente no pueden verlo ni dar crédito a lo que él, que de manera casi involuntaria y natural (como es propio de un adolescente de su edad) pretende compartir de sí, en este caso con los pequeños.

La propuesta no es el problema, pues es novedosa e interesante porque tiene un trasfondo para adultos sin necesidad de dejar de ser para niños. Esa notoria atmósfera sombría con un toque de realismo en la que se ve envuelto todo el filme es la que da a entender que a fin de cuentas, está hecha para complacer a todo los públicos.

El problema no es la idea, sino como nos introducen a ella y la forma en que desglosan los sucesos que se supone deben captar al espectador, causar un determinado clímax y, teniendo el potencial para hacerlo, la película en ciertos momentos pierde su fuerza.

En lo que respecta a la parte técnica no hay nada qué objetar, los efectos son realmente un deleite visual, sobre todo los escenarios como las nubes acopladas hacia una dirección de manera fluida en un tono azul-negro, el polvo de Sandman así como el polvo de color negro en los caballos, simplemente brillante.

[ Crítica ] The muppets.

Los personajes míticos de Jim Henson han regresado. Quizá no soy de los que nacieron con las marionetas, pero al final me inicié con ellos viendo su serie animada en versión bebés, sí, los Muppets Babies fueron mi introducción al mundo de Henson. Ahora después de más de una década de su ausencia, regresan. Con la esencia que los caracteriza, la rana René (como era conocida en México y Latinoamérica) y compañía vuelven más graciosos que nunca. 

Para poder disfrutar la cinta de las marionetas debes de aterrizar el mundo en el que se desarrolla, un muppet es alguien normal que convive como cualquier persona, no son mal vistos ni discriminados, digamos no necesita tener lógica el hecho de que Jason Segel sea hermano de un títere. Ahora, la historia es muy típica en el mundo muppet, números musicales, moralejas y el característico humor blanco. 

Cada uno de los personajes principales tiene su momento, lo cual se agradece, pero a mi parecer le dieron demasiada importancia a Walter –el muppet nuevo—, su protagonismo debió de terminar al momento en que todo el elenco se reunió; aún así, Miss Piggy se roba cada una de las escenas en las que aparece con su clásico humor de diva y Gonzo hace lo suyo con los números “suicidas”. Entiendo que era imposible incluir a todos los personajes, sin embargo, unos hacen su fugaz aparición. 

El elenco humano es acertado, Jason Segel cumple como el hombre y hermano entregado a sus relaciones, Amy Adams en un papel similar al de 'Encantada' y, por lo que veo, esto de la cantada se le da. 

Disney revitalizó a Los Muppets, supo jugar bien el regreso triunfal de la pandilla y además sabe que las generaciones que vieron nacer a las creaciones de Jim Henson jalarían con sus hijos; Ahora el reto de Disney es convencer a las generaciones actuales y mantener el interés de una técnica que para el público infantil podría resultar fallida, pero presiento que el humor ingenioso y reflexivo será del agrado de los peques, recuerden '31 minutos' el programa chileno resultó un hitazo hace un par de años.

Además de la fórmula clásica de la película y como en cintas anteriores de los Muppets, los cameos de los famosos son comunes y en esta ocasión no podían faltar. Selena Gomez, Emily Blunt y Neil Parker Harris, por mencionar algunos, son los que se prestaron en esta ocasión.

Los Muppets, además, dan ese toque de humor blanco, que hace falta de vez en cuando, y que es diferente de las películas llenas de clichés y gags por demás probados. Una muy buena opción para disfrutar en familia y divertirte sin preocupaciones.

< Crítica > The ides of march.

En el calendario romano los idus de marzo caían en el 15 del mes de Martius. Los idus eran días de buenos augurios que tenían lugar los días 15 de marzo, mayo, julio y octubre y los días 13 del resto de los meses. La fecha es famosa porque Julio César fue asesinado en los idus de marzo del año 44 a. C. Según el escritor griego Plutarco, César había sido advertido del peligro, pero había desestimado la advertencia. Llevando esto a la actualidad podríamos decir que es lo mismo que le ocurrió al periodista Stephen Meyers (Ryan Gosling). 

La última película dirigida por George Clooney (“Buenas noches, y buena suerte“, 2005) hasta la fecha se devora con ganas e interés, mientras su argumento nos hace de guía turístico a través del mundo de la manipulación y la mentira política, ese universo en el que venderías a tu madre por un voto y matarías a tu vecina por un buen puñado de delegados en el caso de las elecciones primarias norteamericanas sobre las que fluye esta historia. 

Llevada con buen pulso, ritmo tranquilo y agradable, pero constante y despierto -jamás aburrido-, golpea la mesa con la fuerza de sus diálogos y el buen trabajo de sus actores, que más que entregados se encuentran cómodos haciendo unos papeles que tampoco exigen demasiado. Clooney ofrece una visión muy pesimista de todos aquellos que nos gobiernan o intentan hacerlo, y no se vende a demócratas o republicanos pese a que su personaje lucha por los del primer partido.

Todos son políticos y por extensión descorazonados, no importa lo que necesite la gente, importa lo que la gente pueda creer que necesita en el momento de la campaña. La chaqueta puede cambiar de color si la cuenta corriente babea y la persona en la que creías hasta ahora puede convertirse en el ser más despreciable sobre la Tierra, teniendo todo esto solución a cambio -cómo no- de un módico acuerdo político en el que ambas partes puedan ver su ser muy alejado de un terreno pantanoso.

Aún así, los minutos dedicados a esa situación que señalo, se emplean sin renunciar al enriquecimiento de sus diálogos, que ofrecen perlas realmente memorables que con la intención de evitar un 'spoiler' no diré. Clooney también es lo bastante inteligente en la dirección para dar a cada cosa su desenlace correspondiente y no dejar -al menos en apariencia- ningún cabo suelto significativo. La elección del reparto es sencillamente extraordinaria.

< Crítica > One day.

El filme es la nueva película de la directora danesa Lone Scherfig, que tras cosechar éxitos en su país dio el salto al cine británico con la interesante "An education" y que ahora vuelve a rodar en aquellas tierras esta historia de encuentros y desencuentros, basada en una novela muy exitosa en el Reino Unido.

La cinta nos muestra la relación entre sus dos protagonistas desde sus años universitarios hasta los inicios de la madurez. A través de lo que sucede los 15 de julio de cada año, el espectador va siendo testigo de los vaivenes vitales y emocionales de Emma y Dexter, de los cambios que se producen tanto para bien como para mal.

La película funciona bastante bien, mostrando el inicio de la relación de ambos y sus primeros años, con esa sensación de que ambos quieren ser más que amigos, pero por diversas causas no lo reconocen abiertamente. Sus formas de ser les separan (él es un vividor sin preocupaciones y ella es más sensata, con los pies en la tierra). Luego, sus elecciones les van llevando por un camino y van perdiendo el contacto, aunque siguen estando muy presentes en la vida del otro. Como dice uno de los personajes de la película, ella hace que él sea mejor persona y a cambio él hace que ella sea más feliz.

Al buen tono del filme ayuda el buen hacer de sus protagonistas, que muestran una gran química en pantalla y dan vida con convicción a sus personajes. Y además que a mí Anne Hathaway me enamora cada vez que la veo en pantalla, con esa mezcla suya de belleza, inteligencia y sensibilidad. También se puede destacar la labor de secundarios como Patricia Clarkson (siempre estupenda en comedia y drama) o Romola Garai (una actriz más popular en tierras británicas por su participación en varias producciones de época, como la espléndida miniserie de "Emma").

Al filme se le puede reprochar un cierto bajón de ritmo hacia la mitad del metraje y una secuencia clave en la trama (que no desvelaré), ejecutada un tanto torpemente, que casi provoca el efecto contrario que busca. Fallos menores para un conjunto bastante interesante y que resulta agradable de ver.

Una historia romántica que llega bien por su naturalidad, sin exageraciones ni petardeos, que ofrece una interesante exposición de las relaciones humanas.

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< Crítica > Moneyball.

Hay películas en lo que lo importante se divide: la forma o el fondo. Las que tienen ambas cosas son las que perduran y encuentran la fuerza, el rigor, su equilibrio. "The Social Network" de David Fincher pertenece a este último grupo. "Moneyball" tiene al mismo guionista (Aaron Sorkin), que ha reescrito un guión ajeno que llevaba rondando varios años entre productoras y que adapta el libro "Moneyball: The Art of Winning an Unfair Game" de Michael Lewis. En el proceso ha convertido una película deportiva en algo más, y es que como apunta acertadamente Peter Travers, "'Moneyball' es una película de béisbol como 'The Social Network' es una película sobre facebook: en el sentido en que no lo son. Ambas tratan sobre cómo jugar el juego de nuestras vidas." Poco más puede decirse en menos palabras.

Películas deportivas tenemos docenas y nos las sabemos de memoria. Cómo acabarán, y lo que van a contarnos. La superación y todas esas cosas tan universales pero que por la reiteración de la fórmula casi podemos etiquetar como "tan americanas". "Moneyball" no juega en esa liga, no le interesa. Como "The Social Network", se dedica a construir a sus personajes y a dejarles interactuar en un entorno, usando el deporte sólo como contexto y no como fin, de forma que la historia podría extrapolarse a cualquier otra cosa sin perder su identidad. Sorkin es un tío inteligente y sabe que así puede llegar más lejos que desarrollando la típica película del género, y ni siquiera se recrea en hechos históricos en un sentido total (como si lo hacía "Invictus" de Clint Eastwood) sino que las licencias que se toman con respecto a la historia real que inspira lo que aquí se cuenta sirven no para ensalzar un espíritu, sino para crearlo.

Brad Pitt es perfecto para interpretar este rol y vuelve a dar muestras de que cuando se pone, es un actor de muchos kilates. Lleva años demostrando que es más que un mojabragas y aquí asume su papel con entereza y fuerza, controlando la secuencia con suma facilidad. No llega a las cotas de excelencia que el director extrajo de su actor principal en su película anterior (aunque habría que ver cómo fue posible que un actor tan sobresaliente como Philip Seymour Hoffman fuese capaz de ir incluso más lejos, en "Capote") pero desde luego, encaja, funciona, es creíble. El resto del reparto es sólido y levanta sin problema una historia que interesa te guste o no el béisbol. Aquí no es lo importante. ¿De qué sirve ganar varios encuentros seguidos si en la final no te impones? La filosofía que se extrae del guión que ha preparado Sorkin es extrapolable a la propia vida. Y es por eso que funciona. Una de esas raras apuestas a una sola carta... que resultan ganadoras. Una propuesta muy sólida.

Drive.

No sé si serán sus perfectos encuadres, sus planos aéreos de esa ciudad que resplandece en la penumbra de la noche, su hipnótica banda sonora, las explosiones de violencia arrancadas desde la pausa y la sensibilidad o sus encadenados que unen la obra como si fuera carburante a punto de quemarse en pantalla… pero Nicolas Winding Refn ha construido un vehículo cuya única calificación debe ser de cinta de culto a través de esa carretera llamada tiempo. 

El propio director mira el retrovisor y habla de un homenaje a Alejandro Jodorowsky e inspiración en “Scorpio Rising” de Kenneth Anger. Es cierto, “Drive” habla sobre un escorpión, que por naturaleza es solitario, en el cuerpo de un personaje sin nombre que podría haber parido el cine de Leone. Pero también nos habla de mortíferos aguijones frente a balas y armas de fuego, nos quema con manos peligrosas y dinero sucio, nos conduce a la naturaleza de las cosas, de esperar el momento, de cómo construir la secuencia desde la hipnosis para cazarnos, para pisar el acelerador, dar un volantazo y asestarnos un golpe letal como espectador y presa. 

Nicolas Winding Refn se sitúa en terrenos explorados por pocos, en el camino que atraviesa inalcanzables carreteras secundarias, pasto del desierto y territorio vedado y prohibido, como las de Lynch y Tarantino. 

No hay lugar equivocado para el escorpión sino para el que se enfrenta a su aguijón aunque tiene una debilidad compartida con la mayoría de las bestias… la necesidad del amor. Y en “Drive” el amor se equipara a esa sensación del espectador de encontrarse en una carretera cubierta de niebla junto a un profundo acantilado. No pares. Pisa el acelerador y déjate llevar.

The beaver.

He's here to save Walter's life.

Antes de nada, cabe señalar que esta película está clasificada como drama, a lo sumo comedia dramática, algo que debe quedar bastante claro antes de verla. Dejando a un lado los reflejos cómicos que pueda contener, ésta cinta plantea cuestiones mucho más profundas como la depresión, a partir de la cual y mediante el recurso de la marioneta, se adentra en los recovecos de la psicología humana para plantear cuestiones puramente existenciales como la felicidad, el éxito, la realización y, sobretodo, la soledad. 

No se trata de una película taquillera, pese a contar con dos nombres de suma importancia en esto del cine como son Jodie Foster y Mel Gibson, cuyas interpretaciones son bastante correctas aunque no pasarán tampoco a los anales de la historia. En su papel de directora, Foster se introduce en el tenebroso mundo del drama, quedando patente su inexperiencia pero demostrando sobradamente sus buenas aptitudes. Recomendable sobretodo, a mi juicio, para los que les gusta reflexionar después de ver una película.

Señalo antes que, bajo mi opinión, el hilo conductor de la cinta es la soledad y la búsqueda de la felicidad, lo cual argumento en varios aspectos:

- La depresión del protagonista, Walter Black, no se sabe muy bien de donde procede, ya que a priori es un hombre de éxito, con una mujer talentosa y una familia modelo, es decir, todos los clichés que le otorga la sociedad al triunfo en la vida. Sin embargo, está claro que eso no le llena, que quiere algo más que ni él mismo sabe lo que es y cuya búsqueda terminará con su salud mental. 

- Todos los personajes, al igual que Walter, están en esta situación idílica, sin embargo sus vidas no son plenas, les falta algo (o alguien). 

- El único al que le gusta el castor y la "nueva forma de expresarse" de su padre es al hijo menor, infante inocente y aún en las etapas sin responsabilidades de la vida. 

- La soledad es la que guía a todos: pese a ser populares, tener éxito o gente alrededor, todos se sienten solos, desde el niño pequeño que no se relaciona en el colegio hasta el padre de familia que busca algo más en la vida, pasando por la animadora de notas excelentes que siempre aparece sola a excepción de su relación con el hijo mayor. 

En resumen, creo que esta película puede suscitar pensamientos y reflexiones bastante llamativas, hacernos recapacitar y preguntarnos si realmente lo que la sociedad nos vende como felicidad es necesariamente lo que queremos o hace falta algo más para alcanzarla (siempre que sea verdad que exista).

The tree of life.

Nothing stands still.

La película gira en torno a las dudas existenciales de Jack (aunque no será el único personaje que nos hable) al que vemos al principio como una persona que ha crecido marcado por la muerte de uno de sus hermanos y que vive inmerso en una turbia relación con su padre. Es el punto de partida para evocarnos hacia la historia de su infancia, en el seno de una familia regida por un padre autoritario, con una excelente actuación de Brad Pitt que yo creo ha sido la mejor hasta ahora. No es casualidad que la introducción venga acompañada de un pasaje del libro de Job, pues lo que se nos plantea es la eterna pregunta de dónde está Dios (en caso de existir) en lo bueno y en lo malo, por qué le ocurren desgracias a la gente honesta y virtuosa y cuáles son los designios de la elección entre un camino u otro (la naturaleza que se complace a sí misma en contraste a lo divino que se entrega al universo). 

Tanto nos quiere plantear el señor Malick todas estas cosas que nos lleva hasta el principio de los tiempos, inclinándose en todo momento por la presencia real de lo divino (ahí vemos al dinosaurio renunciando a su presa). Asistimos a toda una experiencia sensorial con imágenes del cosmos, la Tierra y grandes paisajes de los diferentes ecosistemas. Reconociendo que dichas imágenes puedan parecer un tanto implantadas, la verdad es que son de una belleza apabullante, reforzadas por las sugerentes piezas musicales de Alexandre Desplat. ¿Desmesura? Es posible, pero es una desmesura apasionante. 

El resto de la película transcurre sin mayores extravagancias, con un desarrollo de la historia puramente narrativo, voces de conciencias donde reconoceremos a un tradicionalismo particularmente inspirado, convencido de que lo divino existe en lo cotidiano a pesar de todo. No es más que una visión personal, nada que siente cátedra, así pues, aquellos (creacionistas supongo) que acusaron a la película de ser una afrenta religiosa, tienen poco trabajo. Tampoco estoy de acuerdo con los que la ven ahora como una panfleto en el mismo sentido. El árbol de la vida es, simplemente, una obra muy personal, que contiene abundantes paralelismos con la vida del propio director, y de la cual cada uno puede obtener sus propias reflexiones.

No es una obra maestra, pero probablemente sea una de las propuestas más interesantes del año. Un film que, por otro lado, ha tenido serias dificultades de financiación al tratarse de un proyecto cuya concepción reflejaba poco interés comercial, pues el propio Brad Pitt produce. Y es que, al menos, hay unos cuantos que, aún, se siguen arriesgando.

Somos lo que hay.

Jóvenes salvajes y hambrientos.

Somos lo que hay retrata la necesidad familiar por conseguir comida, una premisa sencilla pero a la vez muy compleja, refleja los límites a los que puede ser orillado una persona, en este caso una familia, para sobrevivir, para satisfacer una de las necesidades básicas, comer.

El inicio es ambiguo, la trama poco a poco va revelando las intenciones y la naturaleza de esta familia que se desmorona ante la ausencia del patriarca. La madre se vuelve histérica ante la noticia, los hijos varones pelean por el liderazgo de la familia y la hermana resulta la más centrada y calmada del clan.

Como toda ópera prima, tiene sus errores, tiene unos cuantos detalles que llegan a pasar desapercibidos por la temática del filme, lo cual le da un gran plus, pues dista mucho de los trillados temas de las películas mexicanas, llámese drogas, inmigración, prostitutas o pobres que parecerían no saber más que groserías.

Año bisiesto.

Éste año también es...

La sencilla historia de una chica de provincia va a la gran ciudad... O a un pedacito de la gran ciudad. 

La película triunfa totalmente en dos aspectos: el primero, la creación de un personaje de carne y hueso, personaje se vuelve persona; el segundo, que viene del primero, es lograr que se vean como naturales, normales, las patologías de la protagonista. 

Vaya, que a diferencia de la corriente, notable particularmente en el cine latinoamericano, de hacer películas ultrarealistas con personajes comunes y corrientes a los que no les pasa absolutamente nada (reflejar el tedio de la vida moderna creo que le dicen), aquí sí que pasan cosas. Anormalidades que se vuelven normales, consecuencias naturales de lo que le va pasando al personaje principal. El desarrollo es ejemplar pues. Se va tan sutilmente hasta el clímax que este no parece de ninguna forma forzado. Escenas enfermizas que no se ven como un intento de escandalizar sino como partes infaltables del rompecabezas.

Otra cosa es que uno, como espectador, disfrute más o menos de este rompecabezas en particular, pero de que está bien armado ni duda cabe. Éso es lo que la distingue.

Cinéfilos que ven en el cine no sólo una forma de entretenimiento, no se la pierdan.