[ Crítica ] Life of Pi.

“¿Qué historia prefieres: la del tigre o la del capitán? Pues lo mismo pasa con Dios”, cuando llegamos a esa frase, ya han transcurrido unas dos horas de metraje, es casi el final y ya nos salta la moraleja abofeteándonos la cara sin piedad y dejándonos en cierto estado de shock. 

Tras ver “Una aventura extraordinaria”, como la nombraron en español, quizás ésa sea la frase que mejor resume el mensaje de la película. Un mensaje, en mi opinión, más que discutible, pero interesante.

La historia es inverosímil, pero fascinante; fantasiosa, pero con fondo de verdad; extraña y exótica, pero a la vez cercana. Visualmente, la película está impecable, consiguiendo momentos realmente impactantes y prodigiosos, aunque pongo en duda la necesidad del 3D. Los diálogos no son ni maravillosos ni ocurrentes, pero consiguen explicar conceptos e ideas difíciles de comprender con un lenguaje sencillo. El ritmo es lento, pero se mantiene la intriga y el interés. Las actuaciones han estado a la altura. Hay simbolismo, mensajes y lecturas paralelos. Se nos plantea una nueva perspectiva para interpretar esos símbolos y poder dar así un nuevo significado a la historia y a lo que representan en realidad esos personajes animales. 

Merece una mención especial el diseño del tigre, que “casi” parece un animal de verdad. Y no parece un animal de verdad porque se le ha querido dotar de “alma”. En los momentos en que el tigre se comporta como el animal salvaje que es, da miedo y tiene un aspecto hiperrealista. Sin embargo, en los momentos en que parece comportarse como un humano con emociones.

Son muchas las virtudes de este atípico relato; y si tuviera que mencionar algún defecto concreto, sería incapaz de hacerlo. 

Uno de los puntos fuertes de “La vida de Pi” es que te invita a pensar en ella, porque, aparentemente, el mensaje o el significado están difusos y es natural que en algún momento te preguntes el porqué de las cosas. Obviamente, la película pretende transmitirnos algún mensaje, y no únicamente contarnos una historia rarísima sobre la convivencia de un muchacho con unos animales en una barca. 

Spoiler:

Al principio el protagonista le dice al escritor que le va a contar una historia que le va a demostrar la existencia de Dios. Yo no sé si al final el escritor acaba por convencerse. 

Al final del filme, Pi le pregunta al escritor que qué historia prefiere, si la del capitán o la del tigre. El escritor le contesta que la del tigre, pero, pensándolo bien, Pi no le pregunta al escritor qué historia es la que acepta como verdad, sino que cuál prefiere…

[ Crítica ] Amour.

'Amour' nos relata la historia de la prueba más dura por la que pasan Georges y Anne, una pareja octogenaria de profesores de música clásica jubilados en París. Un día, Anne sufre un infarto que hace que Georges tenga que cuidar de ella porque un lado de su cuerpo está paralizado.

La película entera nos lleva durante un recorrido muy hermoso, muy bien cuidado y que cada escena que ocurre, tiene su razón de ser. Es un deleite para la pupila y la mente ver obras de arte tan bien ejecutadas. Poner a prueba la fortaleza de una relación es lo que nos lleva a adentrarnos en la historia, a identificarnos con los personajes en caso de que estuviéramos en esa situación.

Sin duda alguna, Haneke consigue su mejor filme hasta ahora, donde se comprueba que no es necesario un millonario presupuesto para lograr algo profundo y valioso, algo muy original.

Y es que Emanuelle Riva brinda una actuación de diez, que más que actuación se siente tan real, tan auténtica... Es un perfecto retrato de la realidad que muchas personas viven o han vivido, porque duele a quien sufre una enfermedad y duele, también, a quien acompaña al enfermo.

Llegar a tal extremo de encerrarse, literal, en su casa para cuidar del ser que más amas, es una de las demostraciones más fuertes de amor, esta película encanta, y mucho.

Considero este filme uno de los fuertes contendientes a ganar el Óscar. La recomiendo ampliamente porque quedas inmerso en una terrible soledad acompañado de tu ser amado, donde nada ni nadie puede ayudarte y lo único que queda es ese sentimiento tan real, tan fuerte y tan vivo hasta la muerte, 'Amour'.

[ Crítica ] No.

'No' de Pablo Larraín nos cuenta la historia de René Saavedra (Gael García Bernal) que es un ejecutivo de publicidad que regresa a Chile tras su exilio en México y diseña una brillante y optimista campaña que propugna el 'no' al plebiscito chileno de 1988, pues su objetivo es poner fin a la dictadura militar y derrocar a Augusto Pinochet.

La propuesta de la película está hecha desde la negativa por parte de la mayoría de la gente chilena de dejar de sufrir vejaciones por parte de la dictadura de Pinochet, desde la publicidad que se debía realizar para atacar la continuidad de éste en el poder y sobre las presiones políticas, sociales y personales que el personaje de García Bernal y sus allegados sufrían.

Una cosa a destacar del filme es la textura con que fue hecho, pues transmite ese sentir tan falto en estos días con tan rimbombante 3D de melancolía, de antigüedad, de añoranza y sobre todo de con tan pocas y tan sencillas cosas demostrar una enorme creatividad, que ahora se ve rebasada por los efectos computarizados; desde que la comencé a ver, sentí una nostalgia por el pasado, por la forma de hacer cine y televisión en los 80's.

Creo que Gael García entrega una de sus mejores actuaciones al mostrar el sentir de alguien que en verdad quiere luchar por la justicia social desde su campaña publicitaria, el reparto que le acompaña también se luce de tal manera que la película tiene un final redondo y certero.

El acento andino que trata de imitar Garcí Bernal es bueno, aunque hay partes que le sale lo chilango y sólo en esos momento te acuerdas que es él. La canción de 'La alegría ya viene' es tan pegajosa que demuestra que una campaña publicitaria bien llevada puede permear en la mente del público y lograr su cometido.

'No' se presenta como una fuerte contendiente al Óscar 2013 en mejor película en lengua no inglesa, principalmente por la historia que analiza y la forma tan sutilmente intensa en que lo hace.

[ Crítica ] Frankenweenie.

La película parte con el escueto argumento original de afrontar la pérdida de un ser querido, nada menos que resucitándole. La relación entre el joven Victor Frankenstein con su perro Sparky es tan sólo el principio de una historia que acabará elevando al cielo el mejor cine de monstruos, hasta hacerle soltar chispas, literalmente. La curiosa ‘mascota’ desata la locura de un colectivo de pueblerinos, y llega un punto en que la pantalla se colapsa de excentricidad con tanto bicho suelto. Pura dinamita.

Un guión en el que no faltan los chascarrillos, los personajes marginales y esa clara división entre los buenos, los malos y los peores que hace tan característico su grumoso cine. El 3D es tan sólo un elemento supérfluo y caprichoso de su visionado, ya que la misma estética en blanco y negro hace que parezca estar ante un filme rodado en los años 20, pero con la tecnología de ahora. Genial. 

La sensiblería permanece en su dósis justa, suficiente para sacarnos una traviesa sonrisa al final. A la mente acude esa mueca de alegría que se esboza de forma automática cuando Winona Ryder flota sobre el aire al final de 'Beetlejuice'. Pero también esa lagrimilla que se escapa tras el desenlace de 'Eduardo manos de tijera'.

Tim ha elegido una manera brillante de sacar las piernas del fango tras las malas críticas recibidas con 'Alicia en el país de las maravillas' o 'Sombras tenebrosas', y que poco a poco clavaban su lápida. Ahora esa lápida es el eje de una película eléctrica, compuesta de energía y dulzura a partes iguales.

'Frankenweenie' es un trabajo hecho para perdurar, una pieza de orfebrería de una precisión -y perfección- que abruma. El stop-motion fúnebre más vivo que se haya podido ver, para contar la historia del cortometraje original aportando, además, nuevos elementos que no sólo se amoldan como un guante sino que casi parecieran pensados para aquel trabajo de 1984, que por cierto mejora con el tiempo, como el buen vino.

Spoiler:

El homenaje 'Bambi meets Godzilla' está fragmentado pero es evidente, pues una de las mascotas resucitadas, una tortuga, se transforma en una suerte de Godzilla gigante que pisa a un hámster con un plano de su pie, exclusivamente. Cuando lo levanta, puede verse que detrás hay un cine en el que proyectan "Bambi". Simplemente memorable.

< Crítica > Undocumented.

De cómo la locura puede disfrazarse de patriotismo.

Cuando vi que Scott Mechlowicz aparecía como uno de los protagonistas del filme me dieron unas ganas terribles de pasar por alto la película, pues él, a mi gusto, sólo ha trabajado en cintas cómicas, insulsas o que no pasan de la risa facilona que te produce un comedia de domingo por la tarde.

Sin embargo al leer la sinopsis de la misma quedé enganchado por ver si era algo de calidad o una basura más de tantas que se hacen sobre el tema; "Undocumented" es un documental en formato de thriller de suspenso que muestra a un grupo de jóvenes acompañando a otro de ilegales que intentan cruzar la frontera entre México y Estados Unidos.

Pero como un gran cerrojo a mis intenciones de juzgar antes de ver, quedé iracundamente fascinado por el documental, pues muestra de manera cruda, real y franca la mentalidad de ciertos "patriotas americanos" (que debería decirse estadounidenses, por su gentilicio correctamente aplicado) que disfrazan de eso, patriotismo, las locuras que llegan a cometer para defender a su país.

Escenas tales como la niña muerta en el alambre de púas, la marca hecha con hierro ardiendo, el asesinato de los familiares y el intenso y constante sufrimiento y angustia que padecen todos al querer escapar, al querer salir libres de el infierno por el que pasan, me sumergió completamente en la situación, inclusó olvidé que Scott Mechlowicz es un actor pasable, puedo decir que ésta es la más digna y mejor lograda actuación que hasta ahora le he visto.

Y digo iracundamente porque sentí una ira, una impotencia, un sentimiento de odio, incluso, contra los estadounidenses que hacen todo eso contra los ilegales que sólo buscan trabajar para mejorar su estilo de vida, no buscan robar ni matar a gente que les brinda una fuente de trabajo; asimismo fascinado porque me sentí tan adentro de la situación que incluso llegué a pensar en qué haría yo en esos instantes, que en última instancia es el cometido de todo filme, transmitir sensaciones y sentimientos que te muevan, que te dejen pensando en algo.

Le doy un 10 sobre 10 a esta producción, que aunque limitada económicamente, logra a la perfección su propósito. Lo mejor son las situaciones tan extremas que una mente retorcida llega a hacer con tal de demostrar que es fiel a su país; gente que se queja de los ilegales, siendo que, curiosamente, Estados Unidos es un país de inmigrantes. 

< Crítica > We need to talk about Kevin.

 

"We need to talk about Kevin" puede echar para atrás a muchos en los primeros minutos de su metraje, a mí me enganchó desde el principio. Esta primera parte es bastante caótica, difícil de digerir y de hilvanar si, como yo, la empiezas a ver sin tener ni idea del argumento. Pero creo que es un caos necesario, la forma de una madre de organizar en su mente los recuerdos más traumáticos de su vida.

Las interpretaciones son brillantes. Tilda Swinton está mejor que nunca, y Ezra Miller aporta el carisma necesario. Transmiten una intensidad única en las escenas de silencio, que con el mismo dicen mucho más que con palabras. Dado que la cinta se centra en la introspección de estos personajes y tiende a evitar el morbo, el gore innecesario y los efectos de sonido, es a ellos a quienes hay que agradecerles que funcione tan bien.
 

El tema de ‘Tenemos que hablar de Kevin’ es, sin duda, los límites, pues a partir de ellos (o de no establecerlos) es que se genera cada escena de la película.

Desde sus primeros meses, ya empieza una lucha de poder a poder entre la madre y el hijo, no así una educación basada en los límites necesarios para que crezca ‘con los pies en la tierra’. Si el niño llora, ella lo lleva al ruido, si ella le pide que le pase la pelota, él no lo hace; si los padres necesitan que Kevin controle su organismo, a pesar de ser capaz, éste lo evita. En todo el filme, el único momento en el que existe un límite o cuestionamiento de la madre hacia su primogénito es haciéndole una reveladora pregunta en la última escena… y este es el único momento en que el hijo toma una postura racional.

‘Tenemos que hablar de Kevin’ explica con un manejo excepcional de planos abiertos y cerrados, simbolismos como el color rojo, y efectos de sonido y música perfectamente trabajados, a lo que puede llegar el no tener límites, desde personales, hasta en las relaciones con los demás.

Vale la pena verla y hacer una introspección sobre los límites que tenemos en nuestra vida.

 

 

 

 

 

 

 

< Crítica > Hugo.

"Mi padre me llevaba mucho al cine. Me habló de la primera película que él había visto: entró en una habitación muy oscura, y en una pantalla blanca, vio a un cohete volar y estrellarse con el ojo de la luna. Dijo que fue como soñar en la mitad del día." 

El cine era nuestro lugar especial, hasta en los peores momentos"

Con frases como esta inunda Scorsese lo que a priori parecería una historia infantil: Hugo es un cuento que deja de serlo para convertirse en un homenaje al cine. Con una estética cuidada, una historia encantadora y un optimismo radiante que se echa en falta en estos momentos, nos presenta la historia de Hugo Cabret, un niño huérfano que cuida del reloj de la estación mientras busca como arreglar el último recuerdo que tuvo con su padre.

En esta fábula todos los personajes son extraños en su mundo, gente que no se ha atrevido a buscarse como tal, y que se dedican a ser engranajes de una máquina gigante: el trascurrir del tiempo. Pero a Hugo le gusta arreglar cosas, que todo pueda cumplir su cometido. Y así nos encandila e impresiona, hasta dejarnos sin aliento en una película de dos horas en la que los momentos más intensos son aquellos donde la realidad y la fantasía se fusionan, a través de una cámara y una pasión intensa, que pasará más allá de la pantalla.

Bajo el disfraz de un cuento para niños, Scorsese hace de Hugo un homenaje al cine más puro, a las razones que nos hicieron amar la pantalla y entregarnos a un truco de magia que nos vuelve aventureros, hechiceros, sirenas... en definitiva, magos.

The help.

Change begins with a whisper.

Hacía mucho tiempo que no veía una película sin necesidad de mirar el reloj cada pocos minutos, lo que es mucho decir, teniendo en cuenta que ésta dura dos horas y veinticinco minutos. Porque es lo que tienen las buenas historias bien contadas: captan nuestra atención, la mantienen de principio a fin y no queremos que terminen. Cuenta algo en todo momento de un modo que te hace meterte en la historia, por lo que no es para nada aburrida, como esos dramones que justifican el aburrimiento de su argumento en la autenticidad de la historia que cuentan.

La película narra, a través de palabras y miradas, las humillaciones que a diario se ven obligadas a soportar las sirvientas de color que trabajan para las grandes familias blancas del sur de EE.UU. Sin recurrir a la lágrima fácil, y no exenta de fina ironía, va desgranando el día a día de estas mujeres que bordean a diario la línea entre la sumisión absoluta y el orgullo inquebrantable.

Es una historia de mujeres (no exclusivamente 'para' mujeres), con una fuerza y un valor admirables, que hace que durante media película tengas una sonrisa en la cara y durante la otra media un nudo en la garganta por lo que pueda pasarles a las protagonistas.

Viola Davis y Octavia Spencer representan de manera magistral las dos caras de una misma moneda: Son la imagen de la resistencia. Una desde sus silencios acusadores que no dejan indiferentes a nadie y la otra con su incontinencia verbal que le supone numerosos golpes que no la derrotan sino que la reafirman en su actitud beligerante.

Si a todo esto le añades una interpretación increíble tanto por parte de los protagonistas como de los secundarios (se quiere mucho a unos y se odia a otros), forma una combinación perfecta, que recomiendo no se la pierdan.

Camino.

¿Quieres que rece para que tú también te mueras?

Como pasa con todas las grandes películas, mucha gente no comprende ni comprenderá "Camino". Y quizá tenga bastante que ver con el momento que vivimos, en el que está tan de moda "satanizar" todo lo que tiene que ver con la religión, en especial la católica. Por ello, todo lo que signifique tratar los temas religiosos desde una perspectiva laica, poniendo en tela de juicio su valor moral, es percibido por los sectores afines al catolicismo como un ataque directo a su fe.

Resulta que por el hecho de nacer, todos somos culpables de un gran pecado, y la única manera de purgarlo y de acercarnos a Dios es mediante el dolor y el sacrificio. Pero sacrificio con mayúsculas, es decir, renunciar a todo lo que nos de el mínimo placer. Y es que, como bien se aprecia en esta película, esos extremismos religiosos que tanto hacen por "salvar" nuestro alma, al final acaban robándonosla. Coincidirán conmigo en que para estar orgulloso del sufrimiento y la inevitable muerte de una niña hay que tener una carencia considerable de alma.

La fe es entendida en la película de dos maneras: como única guía posible para lograr la felicidad, o como clavo ardiendo al que agarrarse ante la confusión que produce el simple hecho de vivir. Es inevitable que Fesser muestre su clara afinidad por la segunda opción, pero sigue respetando a quienes eligen la primera. Y de paso, y muy sabiamente, nos dice que la figura de Dios no es la única fe que nos puede hacer afrontar la vida con optimismo. La fe en el amor puede ser todavía más grande, más valiosa. 

Pero entre tanto dogma, un mensaje que escapa a toda confesión religiosa: el eterno triunfo de la vida sobre la muerte. La muerte es inevitable, y puede llegarnos en cualquier momento. Pero, como bien nos enseña Camino, ni siquiera ella puede robarnos la alegría de vivir. El ser humano siempre sentirá el impulso de adorar la vida, no la muerte, el sufrimiento y el sacrificio. Y está en nuestra mano el ganarle la partida a la muerte, sólo tenemos que vivir la vida.

Los actores, resumiendo, todos soberbios. Una película para quien vive para vivir y no para morir.

Cidade de Deus.

Se correr o bicho pega, se ficar o bicho come.

En el año 2002 Fernando Meirelles conquistó a la crítica pública y al público de todo el mundo con esta inmensa obra. Con una colorista pero a la vez oscura estética cercana al video-clip, el director crea una atmósfera que envuelve y asfixia al mismo tiempo. Parece que en ella se ha captado a la perfección la esencia de la vida en las favelas… un lugar que como bien define el protagonista, “queda muy lejos de la típica postal de Río”.

El gran triunfo es el de conseguir que no nos perdamos en medio del caos que supone la trama que envuelve a Ciudad de Dios. Tratar durante más de dos horas con tantos personajes y situaciones distintas y no “morir” en el intento es todo un logro. El interés no decae nunca, ya sea gracias a la brutalidad de la historia, ya sea por su humor negro, ya sea gracias al dinamismo que imprime el director en toda y cada una de las escenas. Los actores -la mayoría de ellos no profesionales- rinden a un altísimo nivel, cualquiera diría que realmente han vivido las desventuras descritas en el filme y la selección de temas musicales es simplemente inmejorable. En parte contribuya mucho a conseguir lo anteriormente comentado: plasmar la esencia de un lugar… de una época.

Especialmente interesante es el personaje de Dadinho… o más bien dicho, Ze Pequeño. Es la reinvención del mal en su estado más puro. La imagen del niño que creció entre disparo y disparo con una sonrisa de oreja a oreja, es simplemente una de las más espantosas que haya visto jamás. El aterrador Ze Pequeño siembra el pánico por allí donde pasa, cegado por el deseo de poseer cuanto ve, sin importarle el camino que tenga que tomar para llegar a dicho fin. Un monstruo que si nos paramos a reflexionar, ha sido creado por el sistema o siendo más justos, el sistema ha permitido su existencia.

El filme viene a expresar esta idea en la “cómica” escena en la que Buscapé trata en vano de ganar algún dinero fácil, para acabar dándose cuenta que la única manera en aquella ciudad es empuñando una arma. La pistola como el único instrumento que permite triunfar, pero también como el instrumento que acaba condenando a su propio dueño. No importa cuantas veces pidamos que al final no aparezcan las palabras mágicas “basada en un hecho real”… porque en efecto es una película real como la vida misma. O acaso había alguna duda?

127 hours.

Every second counts.

Todos hemos tenido un mal día en el trabajo, todos hemos discutido con un amigo, todos hemos suspendido un examen, todos hemos perdido a seres queridos, pero la vida sigue y hay que luchar por ella. Esta película nos enseña eso, a amar la vida, a saborear y aprovechar cada instante, el famoso Carpe Diem. Y a la vez tambien nos inculca a luchar y luchar hasta el último momento, a no darnos por vencidos. 

Danny Boyle una vez más con poco presupuesto, apenas 18 milliones de dólares, coge su cámara y nos hace vivir sensaciones maravillosas. El film cuenta con el estilo "videoclipero" de Danny, con sucesiones de imágenes con música de fondo (muy buena la canción del comienzo) que harán que vivamos esos momentos con más intensidad. 

El papel que interpreta Franco es uno de los mejores papeles que he visto jamás. Es complicadísimo y en el que sobreactuar hubiera sido muy tentador pero Franco hace que le olvidemos por completo como "el hijo del malo de Spiderman". No es que resulte creible, es que en todo momento parece que lo esta viviendo en sus carnes, con escenas desgarradoras, con escenas divertidas, toda gesticulación o mueca está medida para que sintamos lo mismo que él. 

La manera de contarnos cómo sucede todo, las grabaciones en la cámara por parte del protagonista, los flashbacks, el hecho de ver tu vida ante tus ojos cuando crees que ya no queda esperanza....y por si fuera poco incluso hacerte reír (hay una escena particularmente brillante de Franco frente a su cámara) resultan impecables. Si a todo ésto le sumamos una potente y vigorosa metáfora de la superación personal por la vida, Boyle vuelve a brillar de nuevo. 

Es una muestra de cómo hacer buen cine sin grandes fuegos artificiales ni millones de dólares en producción o efectos especiales. Se trata casi, de una cinta artesanal. No hay plano que sobre.  El filme te deja un gran sabor de boca. Y lo hace dejándonos gran parte del metraje sedientos como el propio protagonista, sin agua que llevarnos a los labios. Esta historia real aparece tan bien condensada en su metraje que es imposibe desviar la atención.

La historia es sencilla como pocas, y precisamente ahí reside la dificultad de rodarla. Es entonces cuando entra la sublime interpretación de James Franco, sin duda la mejor de su carrera.

Miss Tacuarembó.

Algún día el mundo será nuestro.

"Miss Tacuarembó" es una producción delirante, la proyección de una generación que tuvo un sueño, quién sabe si se logró. El filme trata sobre una niña del recóndito pueblo de Tacuarembó, en Uruguay, que sueña con ser una cantante famosa empezando por ser coronada Miss de su pueblo. Hasta ahí todo normal. 

Cuando el denominador común de la película incluye "Flashdance", la telenovela "Cristal", los reality shows y una delirante subtrama religiosa, ya se puede intuir que lo que se va a ver es de todo menos normal. 

A pesar de que en un principio la película parezca seguir el molde de la comedia americana en seguida se comprueba que la cosa va mucho más allá y aspira a forjar el retrato de una generación ahora treinteañera a través de los mitos populares de su infancia, dándole a la historia ese justo toque de nostalgia que pocas películas han sabido atrapar después de la década de los ochenta. 

La producción uruguaya goza de una colorida unión de la comedia musical, tiene la factura de pueblo con chicos que sueñan conocer mundo y recrean las fantasías del cine, incluye el cuento infantil con la villana malísima que encima tiene dos hijas gemelas rubias bien malas, es una sátira sobre la crueldad de los reality televisivos, desarrolla el melodrama de la jovencita pobre que en mal momento descubre su origen avergonzante pero luego lo termina superando. Nos provoca una grata evocación de los éxitos de la cultura masiva de los '80, me encantó la idea sobre la crítica sarcástica al fanatismo y comercio religioso, ésta es una de esas películas que dan ganas de contarla entera, pero conviene contar lo mínimo, porque es todo un vaivén de sorpresas e ironías realmente muy bien armado y presentado.

Natalia Oreiro está maravillosa con todo su despliegue de canciones y expresiones (deslumbramiento, picardía, decepción, etc.) y que sólo ella puede lucir un vestido de adolescente como el que luce en un momento clave. 

Está todo cuidado hasta el mínimo detalle en lo visual, pero, en cierto sentido, es una lástima que no termine en un absoluto clímax. Hay momentos antológicos, como la aparición de Jeannette Rodríguez y el paseo por el Cristo Park que sin duda alguna te dejará un buen sabor de boca.

El exorcismo de Emily Rose.

Based on a true story.

El filme es de los pocos que se salvan del cine actualmente llamado "de terror".

La película está muy bien construida y, a diferencia del cine de terror palomitero tan de moda hoy día, no se dedica a tratar de asustar al espectador con apariciones repentinas y subidas del volumen... El filme consigue algo mucho más difícil: inquietar.

Lejos de otros trabajos sobre el tema, ésta película está empapada de un realismo que consigue dejar paso a la ambigüedad, creando dudas a los espectadores y crispando los nervios de los más sensibles.

Debo resaltar la escena en la que a Emily se le "sube" una presencia mientras ella está en el dormitorio de la escuela, los efectos están muy bien logrados, lo cual hace que te angusties por la forma en que está representada la, coloquialmente llamada, "subida del muerto", pues, por lo menos a mí, me recordó cuando en una ocasión, me ocurrió lo mismo.

Fue una agradable sorpresa descubrir ésta pequeña joyita entre tanta basura a lo "Scream" con la que nos atiborra el mercado americano. Me encantó ver que todavía puede erizársete el vello del cuerpo viendo una película, me encantó que se tratase el tema tan inteligentemente, consiguiendo sacarle el máximo provecho al filme y cumpliendo, e incluso superando, las expectativas; me encantó, en especial, la trama escogida (la judicial) que es muy interesante y no hace decaer el ritmo de la película, pues la protagonista ya no está viva para declarar o algo por el estilo, se deben basar en testimonios y otros recursos para determinar el curso del juicio.

Recomiendo ampliamente esta producción, Jennifer Carpenter creo que logra una muy buena y creíble actuación, pues de ahí se derivaron varios trabajos más. También, recomiendo abstenerse los que esperan ver un descarado efectismo grimoso y gritos denigrantes en plan "El exorcista", esto va más allá.

Catfish.

Don't let anyone tell you what it is.

"Catfish" es una de las mayores sorpresas que me he llevado últimamente en el terreno del documental, pues aún conociendo el juego que puede llegar a dar el anonimato de Internet, no sabía exactamente cómo se iba a desarrollar una propuesta cuyas bases pueden ser tan conocidas por algunos, pero por otro lado, difíciles de reflejar a través de una producción en este formato.

El documental no aburre en ningún momento, y tiene ocasiones en las que mantiene realmente interesado al espectador, incitándolo a adivinar por su cuenta lo que se oculta detrás de todo, y suministrándole poco a poco la información, para que no decaiga su interés y mantenerlo enganchado. 

Esto es lo mejor del documental, y a la vez, como se suele decir, un arma de doble filo, pues también es una de las razones por las que cabe dudar acerca de si el filme es 100% real o hay algo orquestado y planeado detrás. 

No obstante, se hace muy entretenido e interesante de ver, y el final llega a ser bastante emotivo, dejándote pensando un buen rato sobre esta curiosa sociedad en la que vivimos.

La sopresa que se lleva Nev, al saber que Megan no es quién creía, nos deja pensando en qué tan bueno es el "eterno facebook" pues la verdad es que nunca sabes, obviamente separando a las personas que conoces, quién está detrás de esa foto casi salida de una revista.

Scenes from the suburbs.

Scenes from the youth.

La colaboración entre Spike Jonze y la banda Arcade Fire, ¡¡¡vaya banda!!!, nos deja un cortometraje de sabores amargos pero tejido con una cuidada delicadeza. La materia no es para menos: la madurez vista desde la adolescencia. Jonze hace empatía con el grupo de jóvenes protagonistas y consigue sacar interpretaciones implicadas en el papel. La lucha militar entre barrios muestra de forma simbólica la visión que la adolescencia tiene de unos adultos que han rechazado todo atisbo de empatía emocional, tal es el caso del hermano mayor de uno de ellos y la transición obligada a la madurez a través de un rito de insensibilidad.

El apartado técnico se caracteriza por un uso de los enfoques y desenfoques que complementa bien la narrativa, además de la cámara subjetiva que ayuda a la pretendida conexión con los personajes.

El recurso de una ambientación en un futuro cercano militarizado permite usar una forma "juguetona" para con los simbolismos, lo que da un aire aún mayor al cierto carácter de videoclip del corto, tanto por la música de Arcade Fire, utilizada de forma muy inteligente para hacer aflorar determinadas emociones (euforia, melancolía, tristeza, etc.), como por las imágenes en flashes rápidos que dan a entender ideas, acciones y actitudes, que van perfilando de forma sutil el carácter de los personajes.

En suma, un pequeño pero gran ejercicio de estilo para Spike Jonze, que se reivindica como autor dentro de la industria. 

A destacar la música de Arcade Fire, todas y cada una de las canciones del disco "The suburbs" es muy buena, y la selección hecha para el corto, es aún mejor. Se complementan increíblemente.

Where the wild things are.

There's one in all of us.

No es una película para niños, ni exclusivamente para adultos. Es una película para adultos con el fin de entender como vive, siente y piensa un niño de 8 años. 

El que espere una historia infantil creada desde una mente adulta, se equivoca. El que espere una historia adulta camuflada en un ambiente de cuento, se equivoca.

Es la historia de un niño que piensa, vive y actúa por su necesidad de cariño y atención, por sus miedos, por su crueldad, por su egoísmo, por su impulsividad, por sus fracasos, por su diversión, por su imaginación, por su creatividad, por sus limitaciones, racionales y emocionales propias de un pequeño de 8 años. 

La película es excelente desde cualquier punto que se vea, pues tiene una estética grandiosa, buenas actuaciones, incluso las de los monstruos que no tienen expresión más que vocal, la música complementa perfectamente el largometraje que al final te deja un muy buen sabor de boca.

En ese bosque, Max encuentra sus emociones más latentes en forma de monstruos. El monstruo de estar solo, a ser abandonado (Carol), el monstruo del ser ignorado (la Cabra), el monstruo de ser invisible (el Toro Alexander), el monstruo de ser cruel y dar miedo (Judith), el monstruo de ser bueno y colaborador (Ira), el monstruo de la razón (Douglas) y el monstruo del cariño y el afecto (KW). Max intenta comprenderlos, afrontarlos, resolverlos… pero sólo es un niño mandando como único rey en sus propias emociones-monstruos y eso nunca puede salir bien sin el apoyo, el cariño y el amor de una madre/padre.

No deja de ser una obra maestra dentro de su género que seguro fascinará a los espectadores más propensos a captar el trasfondo de los continuos y densos diálogos incluídos en la cinta.

Cabe añadir el buen aporte que hace la banda sonora compuesta por Karen O and The Kids, con temas magistrales, que dotan de mayor dinamismo a la historia.

Sucker punch.

You will be unprepared.


¿Falta de coherencia? Precisamente la película te dice desde el segundo 1: Prepárate para ver una locura, para vivir una pesadilla, para patear una a una las baldosas amarillas. Es una ilusión febril de un adolescente visionario e incontrolable. 

Más allá de las ganas de locura que tenga el espectador lo que es innegable es el talento de un director impecable. Zack Snyder es el director (al menos uno de los que más) ha sabido conjugar la narración de una buena historia con la dirección más digital-visualmente vanguardista del momento (por ejemplo "Watchmen"), no sobran planos, cada cuadro tiene su color, cada escena su ritmo, cada personaje su destino...

Mención aparte las elecciones musicales de Sucker Punch llevando a la locura “¿Where is my mind?” de los Pixies o el “White Rabbit” de Jefferson Airplane de por sí ya bastante locas. Sientes cada beat musical.

Como estoy harto de saberme las pelis de memoria cuando llevan 10 minutos de metraje, me encanta que me sorprendan con algo nuevo, ya que lo que es en el 7º arte, quedan pocos temas que no hayan sido ya tratados. 

¡Qué volumen de registros y apariciones sorprendentes! Y yo, hipnotizado por esas imágenes sin sentido, me iba metiendo cada vez más en la historia. 

Tiene un universo propio: entras o no. No creo que nadie se quede a medio camino del umbral. Tiene tantos elementos para amarla como para odiarla, y entiendo que horrorice a mucha gente porque no tiene nudo, trama, desenlace, ni narración, ni forja del héroe. Sé cuando una película tiene una estructura definida y cuando no. Ésta no la tiene, pero no juega a tenerla, ni lo pretende (desde el minuto 1 vemos que no será algo típico). La película es un festín de imágenes sugerentes, acompasadas por una banda sonora que incluye a Björk... (no creo que sea coincidencia).

Secuestrados.

Hogar dulce hogar.

La verdad es que desde la primera escena me mantuvo cautivo bajo la tensión que sentirías si ésta fuera tu casa y tu familia. Esa primera escena que muestra a un hombre tratando de respirar con una bolsa en la cabeza, es realmente buena, yo llegué a sentir la angustia de no poder respirar; a partir de ahí, tensión durante los 82 gloriosos minutos que dura esta gran obra de arte.

La premisa está muy usada, sin embargo, no cualquiera logra tomar algo común y convertirlo en algo tan bueno como este largometraje.

La recomiendo EXTENSAMENTE, te mantendrá al borde de nervios durante toda la película, le pondría más de 10 estrellas si se pudiera.

Este tipo de cine español es el que vale la pena y no otros bodrios que ni razón tienen de ser.