[ Crítica ] Las aventuras de Tadeo Jones.

Se estrena como el primer largometraje de Enrique Gato, el cual adapta a la gran pantalla un personaje ya utilizado en dos cortometrajes, donde ambos le dieron el Goya a mejor corto de animación en 2004, del cual sólo queda el personaje principal, cambiando todo lo demás. 

La cinta está rebosante de aventuras y buenas intenciones, disfrutando de paisajes inolvidables muy bien recreados y unos personajes secundarios muy divertidos y entrañables.

Tadeo Jones nos transporta a un mundo de aventuras donde los sueños pueden hacerse realidad, donde los pequeños gozarán con las travesuras del loro mudo y el perro despistado, y los mayores disfrutarán con sus múltiples guiños a películas como 'Indiana Jones'.

Resulta obligado resaltar la gran labor realizada en esta cinta de animación española, la cual nada tiene que envidiar a productos como Dreamworks. No sólo está bien hecha, sino que es sumamente entretenida.

Se agradece ver un planteamiento de personajes secundarios sumamente divertidos, con un trotamundos capaz de venderte cualquier cosa y un loro mudo que se ayuda de gestos y carteles para informar de los peligros a la pareja protagonista, el cual no para molestar al inocente perro de Tadeo. Sin olvidarnos de los malos, con un jefe que posee un brazo mecánico que se modifica a su voluntad.

En resumen, disfrutamos de una cinta llena de aventuras, comedia y valores que inculcar a los pequeños de la casa; los cuáles no sólo se divertirán, sino que también aprenderán valores necesarios y útiles para la vida, como la lealtad, la amistad, la verdad… Pero sobretodo, a no dejar de soñar, a creer en ti mismo, porque si tú crees en ti mismo, también lo harán los demás.

[ Crítica ] Silver linings playbook.

Parece que la Academia se ve obligada a meter todos los años, entre las nominadas al Oscar a una de esas películas ligeras y bonitas que aparecen todas las temporadas y que, en realidad, son lo mismo de siempre, salvo que guardan un par de detalles que destacan entre la mediocridad, haciendo ver que son mejores de lo que, realmente, son. Veánse de ejemplo, en años anteriores; 'Un sueño posible', 'Tan fuerte, tan cerca', 'Juno'.

Todos sabemos ya que esta película no va a ganar el Óscar (y si lo gana, sería la última señal para terminar de creer en los Óscares) pero yo me quiero preguntar por qué está ahí. Quiero comprobar si está porque quedaba sitio para una más. 

'El lado bueno de las cosas', para mí, es la típica película que te deja a medias. Empieza bien y fuerte, con diálogos afilados, unos actores que parecen estar bien ubicados, algún que otro momento de ingenio... En definitiva, crea una buena disposición en el espectador.

Una vez pasada la mitad de la película, vuelve a ser la misma película que ya hemos visto por enésima vez: edulcorada, tonta, indulgente, hueca... Yo no consigo ver en ella esa 'gran enseñanza sobre la vida' que le atribuyen algunos, y si no la veo es quizá porque ya la sabía. El caso es que el filme se empeña en plantear una situación complicada, con dos 'desequilibrados' que buscan el amor, para resolverla de la manera más 'light' y condescendiente que había.

Le sobran nominaciones. Nada me gustaría más que ver resurgir al grandísimo actor que era (y es) Robert De Niro, pero su papel aquí es demasiado testimonial como para una nominación. A Jacki Weaver, una semana después de haber visto la película, ni la recuerdo; lo cual es mala señal. La dirección de O. Russell es demasiado sencilla y carente de sorpresas como para que compita con la de, por ejemplo, Ang Lee con 'La vida de Pi'. Bradley Cooper sí que empieza a decirnos algo, y puede que haga algún papel realmente bueno en un futuro (todavía no). Y Jennifer Lawrence tiene un gesto demasiado frío como para enternecerme, la parte de 'loca' de su papel la aborda muy bien, el resto es puro trámite y sobreesfuerzo por su parte.

A mí me ha decepcionado, señores. No obstante, es simpática y se deja ver. 

[ Crítica ] Life of Pi.

“¿Qué historia prefieres: la del tigre o la del capitán? Pues lo mismo pasa con Dios”, cuando llegamos a esa frase, ya han transcurrido unas dos horas de metraje, es casi el final y ya nos salta la moraleja abofeteándonos la cara sin piedad y dejándonos en cierto estado de shock. 

Tras ver “Una aventura extraordinaria”, como la nombraron en español, quizás ésa sea la frase que mejor resume el mensaje de la película. Un mensaje, en mi opinión, más que discutible, pero interesante.

La historia es inverosímil, pero fascinante; fantasiosa, pero con fondo de verdad; extraña y exótica, pero a la vez cercana. Visualmente, la película está impecable, consiguiendo momentos realmente impactantes y prodigiosos, aunque pongo en duda la necesidad del 3D. Los diálogos no son ni maravillosos ni ocurrentes, pero consiguen explicar conceptos e ideas difíciles de comprender con un lenguaje sencillo. El ritmo es lento, pero se mantiene la intriga y el interés. Las actuaciones han estado a la altura. Hay simbolismo, mensajes y lecturas paralelos. Se nos plantea una nueva perspectiva para interpretar esos símbolos y poder dar así un nuevo significado a la historia y a lo que representan en realidad esos personajes animales. 

Merece una mención especial el diseño del tigre, que “casi” parece un animal de verdad. Y no parece un animal de verdad porque se le ha querido dotar de “alma”. En los momentos en que el tigre se comporta como el animal salvaje que es, da miedo y tiene un aspecto hiperrealista. Sin embargo, en los momentos en que parece comportarse como un humano con emociones.

Son muchas las virtudes de este atípico relato; y si tuviera que mencionar algún defecto concreto, sería incapaz de hacerlo. 

Uno de los puntos fuertes de “La vida de Pi” es que te invita a pensar en ella, porque, aparentemente, el mensaje o el significado están difusos y es natural que en algún momento te preguntes el porqué de las cosas. Obviamente, la película pretende transmitirnos algún mensaje, y no únicamente contarnos una historia rarísima sobre la convivencia de un muchacho con unos animales en una barca. 

Spoiler:

Al principio el protagonista le dice al escritor que le va a contar una historia que le va a demostrar la existencia de Dios. Yo no sé si al final el escritor acaba por convencerse. 

Al final del filme, Pi le pregunta al escritor que qué historia prefiere, si la del capitán o la del tigre. El escritor le contesta que la del tigre, pero, pensándolo bien, Pi no le pregunta al escritor qué historia es la que acepta como verdad, sino que cuál prefiere…

[ Crítica ] Amour.

'Amour' nos relata la historia de la prueba más dura por la que pasan Georges y Anne, una pareja octogenaria de profesores de música clásica jubilados en París. Un día, Anne sufre un infarto que hace que Georges tenga que cuidar de ella porque un lado de su cuerpo está paralizado.

La película entera nos lleva durante un recorrido muy hermoso, muy bien cuidado y que cada escena que ocurre, tiene su razón de ser. Es un deleite para la pupila y la mente ver obras de arte tan bien ejecutadas. Poner a prueba la fortaleza de una relación es lo que nos lleva a adentrarnos en la historia, a identificarnos con los personajes en caso de que estuviéramos en esa situación.

Sin duda alguna, Haneke consigue su mejor filme hasta ahora, donde se comprueba que no es necesario un millonario presupuesto para lograr algo profundo y valioso, algo muy original.

Y es que Emanuelle Riva brinda una actuación de diez, que más que actuación se siente tan real, tan auténtica... Es un perfecto retrato de la realidad que muchas personas viven o han vivido, porque duele a quien sufre una enfermedad y duele, también, a quien acompaña al enfermo.

Llegar a tal extremo de encerrarse, literal, en su casa para cuidar del ser que más amas, es una de las demostraciones más fuertes de amor, esta película encanta, y mucho.

Considero este filme uno de los fuertes contendientes a ganar el Óscar. La recomiendo ampliamente porque quedas inmerso en una terrible soledad acompañado de tu ser amado, donde nada ni nadie puede ayudarte y lo único que queda es ese sentimiento tan real, tan fuerte y tan vivo hasta la muerte, 'Amour'.

[ Crítica ] Flight.

Robert Zemeckis y Denzel Washington tienen una buena dinámica dentro de este filme de corte dramático envuelto en una nube de manipulación, alcohol, drogas y más. La película tiene una dinámica bastante entretenida durante los primero 30 minutos, son de gran tensión durante toda la escena del descenso del avión en caída, ahí tuve la sensación de imaginarse uno en esa situación, de impotencia.

Está bastante bien lograda la escena estéticamente pero técnicamente se ve algo falsa, como que realmente no crees que así se maneje un avión, no lo sé; un punto en el que me quedé raramente sorprendido fue si realmente se puede pilotar un avión de cabeza, no sé si físicamente sea posible por más que luego te explican en el filme cómo y para qué se hizo.

Luego de pasar de héroe nacional por salvar la vida de casi un centenar de personas y que fallecieran sólo unas cuantas, la trama se torna algo fuerte al ver a un capitán honorable públicamente y deshonroso internamente, pues es controlado por su vicio al alcohol y esto le trae graves consecuencias pero no es capaz de dejarlo, aunque tenga grandes y terribles problemas no puede hacerlo. Se enreda con una mujer que conoce en un lugar cualquiera, tiene problemas con ella, sigue adelante y al final llegará a sentar cabeza, afrontar sus demonios internos y asumir la responsabilidad de sus acciones; es aquí cuando nos hallamos en el punto álgido de la película, al estar enjuiciando el capitán Whitaker, Washington nos da una prueba de por qué es tan buen actor, encarna y demuestra con una fabulosa cara de angustia el sentir de alguien que pasa por tan terrible lucha consigo mismo y asume sus consecuencias a pesar de tener la posibilidad de salir ileso del proceso legal.

A mi parecer el filme se queda en un 8 sobre 10, pues aunque dura poco más de 120 minutos, muchos de ellos siento yo que están de sobra, la relación con la mujer sola con la que se encuentra es tan inverosímil que no fue un detonante para salir adelante, para tomar una decisión, la sentí forzada y un poco hasta de relleno, puntos negativos.

Al final, esta producción te mantiene entretenido, te hace pasar un buen rato y terminas agradeciéndolo, se las recomiendo con algunas reservas.

[ Crítica ] No.

'No' de Pablo Larraín nos cuenta la historia de René Saavedra (Gael García Bernal) que es un ejecutivo de publicidad que regresa a Chile tras su exilio en México y diseña una brillante y optimista campaña que propugna el 'no' al plebiscito chileno de 1988, pues su objetivo es poner fin a la dictadura militar y derrocar a Augusto Pinochet.

La propuesta de la película está hecha desde la negativa por parte de la mayoría de la gente chilena de dejar de sufrir vejaciones por parte de la dictadura de Pinochet, desde la publicidad que se debía realizar para atacar la continuidad de éste en el poder y sobre las presiones políticas, sociales y personales que el personaje de García Bernal y sus allegados sufrían.

Una cosa a destacar del filme es la textura con que fue hecho, pues transmite ese sentir tan falto en estos días con tan rimbombante 3D de melancolía, de antigüedad, de añoranza y sobre todo de con tan pocas y tan sencillas cosas demostrar una enorme creatividad, que ahora se ve rebasada por los efectos computarizados; desde que la comencé a ver, sentí una nostalgia por el pasado, por la forma de hacer cine y televisión en los 80's.

Creo que Gael García entrega una de sus mejores actuaciones al mostrar el sentir de alguien que en verdad quiere luchar por la justicia social desde su campaña publicitaria, el reparto que le acompaña también se luce de tal manera que la película tiene un final redondo y certero.

El acento andino que trata de imitar Garcí Bernal es bueno, aunque hay partes que le sale lo chilango y sólo en esos momento te acuerdas que es él. La canción de 'La alegría ya viene' es tan pegajosa que demuestra que una campaña publicitaria bien llevada puede permear en la mente del público y lograr su cometido.

'No' se presenta como una fuerte contendiente al Óscar 2013 en mejor película en lengua no inglesa, principalmente por la historia que analiza y la forma tan sutilmente intensa en que lo hace.

[ Crítica ] The possession.

El director danés Ole Bornedal dirige una nueva cinta de terror de posesiones y exorcismos tomando como premisa unos hechos reales que tuvieron lugar en 2004, cuando una caja de madera que, según se anunciaba, contenía un dibbuk (un espíritu maléfico o demonio de la tradición judía) se subastó en Internet y fue vendido a un conservador, que descubrió que había pertenecido a una superviviente del Holocausto de 103 años de edad. El hecho fue documentado por una periodista de Los Angeles Times y, la productora de Sam Raimi, Ghost House, decidió recopilar las fatalidades que habían sufrido los distintos propietarios de la caja original para idear una historia protagonizada por una única familia norteamericana a lo largo de 29 días, tal y como rezan los títulos de crédito.

Bornedal, que ya había realizado otras dos incursiones en el género de terror, “El vigilante nocturno” (1994) y “La sustituta” (2007), intenta crear una obra con nombre propio, que aporte un punto de vista distinto al género de las posesiones infernales, pero fracasa en el intento. Cierto es que, en lugar de abusar de los iconos católicos de los curas exorcistas liderados por el Padre Karras, apuesta en esta ocasión por los ritos y tradiciones judías como una leve bocanada de aire fresco, pero en todos los demás elementos de la película no hace sino abundar en los ingredientes habituales de la fórmula. Queda, por ello, fatalmente relegada al saco de las películas de imitación, sin que pueda quitarse el polvo de la obra emblemática de la temática empleada, “El exorcista” (1973).

“The Possession” tiene su principal valor en dos de sus actores que concentran las principales alabanzas. La joven actriz Natasha Calis, que interpreta a la terrorífica poseída en cuestión Emily, y Jeffrey Dean Morgan que hace de padre desesperado de forma correcta. Sobre todo la primera, que siguiendo lo que es ya una ley no escrita del género, a pesar de su corta edad, logra transmitir toda la maldad y a la vez impotencia del personaje. Kyra Sedgwick sale perdiendo en un cuarteto cojo en dos de sus patas, la otra siendo la hermana Madison Davenport.

La película logra momentos de tensión que se van dosificando cada vez más frecuentemente hasta llegar al previsible clímax de la película. Abusa de los efectos de sonido y de la llamativa partitura que se rompe con estruendosos silencios, jalonados por fundidos a negro, tras cada episodio demoníaco.

Entretenida para los no muy exigentes, se deja ver. No le ha salido mal la jugada a Sam Raimi, apostando un presupuesto mediano a una película que atraerá a adolescentes a las salas de cines. Bienvenidos sean.

[ Crítica ] The sessions.

'Las sesiones', com se tituló en español, es una divertida comedia basada en una historia real, concretamente en un reportaje periodístico publicado por el protagonista de la película.

Mark, de 38 años, contrajo polio en su infancia, y como consecuencia de esta enfermedad sólo es capaz de mover la cabeza, así vive recluído en un pulmón de acero, del que sólo puede salir con una autonomía de 3 horas.

Con semejante historia, uno podría creer que la cinta, dirigida por Ben Lewin, es un drama en toda regla, que busca la compasión del espectador por las condiciones de vida de este hombre, invitando a la lágrima fácil. Y sin embargo no es así. Como decía, 'Las sesiones' es una comedia fresca, sin sentimentalismos, que no intenta provocar gratuitamente el llanto en el espectador, lo cual es de agradecer.

Mark, el protagonista, es consciente de su situación, y se enfrenta a ella con sentido del humor. Así, la cinta destaca por unos divertidos diálogos, alejados del paternalismo que uno podría esperar.

La premisa es que Mark, periodista y poeta, debido a un encargo de trabajo sobre el sexo en personas con discapacidad, decide contactar con una terapeuta sexual, para iniciarse él mismo en las relaciones sexuales, mientras elige al nuevo cura de su iglesia como confidente de sus actividades. Este tema, que podría ser considerado como tabú por muchos, es tratado con total naturalidad y, una vez más, con un gran sentido del humor.

Además, los intérpretes están perfectos: John Hawkes como el protagonista con un trabajo especialmente destacable, por las características físicas que le impone el dar vida a un hombre con secuelas producidas por la polio, y por su contención, dando mayor verosimilitud a su personaje; William H. Macy, como el cura que ejerce de improvisado confidente del protagonista; y Helen Hunt, como la terapeuta sexual, interpretada también con una admirable naturalidad.

[ Crítica ] Kon-Tiki.

'Kon-Tiki' narra la historia del explorador noruego Thor Heyerdahl y su grupo de aventureros en la decisión de cruzar, con una balsa de madera y totalmente natural, el océano Pacífico desde Perú hasta la Polinesia para demostrar la teoría de que fueron los sudamericanos los que conquistaron esta tierra por primera vez y no los asiáticos como se viene diciendo hasta ese momento.

Bajo esta premisa, la película basada en hechos reales (lo cual le da un cierto interés añadido a la hazaña) es una aventura marina bastante estimulante que, aunque tarda en arrancar, regala un más que correcto entretenimiento durante sus dos horas. La fotografía del film es una de sus mejores virtudes, utilizada para mostrarnos algunas bellas imágenes del mundo marino y paisajes en momentos puntuales. 

A pesar de todo, el film podría haber dado más de sí en sus formas y contenido, uno tiene la sensación de historia desaprovechada y con pocos elementos que arrastren al espectador a la deriva de la situación, que en algunas circunstancias angustiosas bien lo vale. Aunque por otra parte se agradece cierta sequedad en la dirección, ofreciendo más realismo y sensación de crónica verídica, rehuyendo de una épica que igual le habría perjudicado. 

La película nos deja un muy buen sabor de boca, además del intrínseco mensaje de perseguir tus sueños y realizarlos a través de la convicción de ser firmes en nuestras creencias y principios, muy valiosa historia de superación personal y demostración de nuestra fe en nosotros mismos.

Spoiler:

El final de la película con las diapositivas de imágenes de los protagonistas reales del acontecimiento siempre es de agradecer en este tipo de historias, otorgando un carácter más afín a lo narrado en el filme.

[ Crítica ] Beasts of the southern wild.

La historia narrada desde los ojos de una niña, Hushpuppy, es el inicio de un recorrido que nos llevará dentro de la fantasía, ésta irá creciendo en un ambiente de carencia de todas las comodidades que podemos esperar, al lado de su padre, un hombre tosco y enfermo que trata de hacer que su hija vea la vida como es, cruda y real, y él es un padre que necesita saber que su hija es lo suficientemente fuerte como para afrontar el futuro que le espera.

El film es una bocanada de frescura, pues siempre es bueno saber que hay gente desconocida en el mundo cinematográfico que sabe emocionarnos. La narrativa es cálida e inocente hasta el punto que la protagonista nos hace sentir empatía por la historia y los personajes, aunque hay una parte de nosotros que no entiende por qué.

El estado de miseria y las condiciones paupérrimas de vida, no impedirán que padre e hija tengan su fantasía, conquistando el mundo desde lo que ellos llaman 'la tina'. El filme es un retrato del impacto de una realidad que esta ahí, día a día y no sólo en Estados Unidos, en todos lados.

Cabe destacar de sobremanera el debut en la dirección de Benh Zeitlin y la buena fotografía, también el manejo preciso del uso del realismo mágico y como metáfora final el diálogo del desenlace: 'Veo que soy una pequeña pieza de un gran, gran universo, y así es como debe ser'.

[ Crítica ] The impossible.

No quiero parecer frío ni incrédulo, pero no me creo 'Lo imposible'. No porque lo que suceda no pueda haber tenido lugar sino porque tal cual está montada la película parece eso, un montaje, un anuncio de colonias con un tratamiento de la imagen tan pulcro que se convierte en irreal. 

Infectada con el 'espíritu Spielberg' en un sentido global, copiando elementos estilísticos (eternos planos a contraluz, con atardeceres/amaneceres, primeros planos con gente abriendo bocas, giros de cámara con música machacona intentando conducir las emociones) y otros narrativos, como el énfasis en la unidad familiar o la personalidad de los personajes, siendo algunos de ellos una idealización total de un concepto (la madre, María, que es prácticamente una santa ayudando al prójimo), 'Lo imposible' es un gran artefacto cinematográfico a nivel formal pero a mí, personalmente, no me llega.

Y no lo hace porque es demasiado 'perfecta', calculada, dirigida (emocionalmente) hacia puntos tan concretos que no hay posibilidad de meterse en la narración. Decir que es previsible sería innecesario teniendo en cuenta que ya en el propio cartel de la película te cuentan el final, pero es que los pequeños conflictos que van sucediéndoles a los protagonistas son tan fáciles de predecir que la intriga se diluye. ¿De qué sirve un drama de supervivencia si conoces de antemano el destino de quienes están involucrados? 

No le exijo que sea ingeniosa o que dé giros, sólo que sea capaz de mantener la intriga. No ayuda tampoco a que la película sea creíble que los dos protagonistas sean Watts y McGregor ni que sus niños sean tan extremadamente fotogénicos. Como digo, todo está idealizado al máximo, es un festival de primeros planos de ojos azules intensos, secuencias humanas forzadísimas (atentos a la parte del teléfono móvil, lo de Daniel o la subtrama del padre sueco) y un uso de la luz que intenta engrandecer más las cosas añadiendo capas de magnificencia a una película perfectamente facturada por y para emocionar al público. 

Juan Antonio Bayona, el director, ha hecho una película estimable que gustará al público general hambriento de sensaciones fuertes, eso es indudable. Pero si no llega... no llega. A mí me ha parecido fría, y eso que fuerza continuamente la emoción, pero quizá a costa de insistir termina por resentirse. 

Y el asunto de que el actor principal es escocés, la actriz principal es australiana, está hecha con dinero americano y cuenta la historia de un tsunami asiático, tampoco está muy bien que digamos, pues, según esto, todo le pasó a una familia española... Una película "muy americana" en todo el sentido del término.

[ Crítica ] Moonrise kingdom.

Hoy en día está todo tan inventado en la industria del celuloide que cualquier aporte diferente de hacer cine es bienvenido. Y guste o no guste, Wes Anderson ha demostrado que ha llegado a Hollywood para quedarse. La lucha a toda costa por sueños inalcanzables y amores imposibles que habita en sus películas vuelve a producirse en 'Moonrise Kingdom', un colorido viaje que mezcla la infancia y la inocencia con una historia de heroicidad, aventura y romance.

El sello personal del texano recae en la perfección de los travelling y los planos secuencia, en el uso de la cámara lenta y la música chill out para aumentar el clímax, en el empleo de colores pastelosos, en guiones donde el equilibrio entre la comedia y el drama pende de un hilo de nylon. Esta historia protagonizada por pequeños héroes incomprendidos combina el heroísmo con el patetismo entrañable, despoja sus almas del cuerpo y les sumerge en un carrusel de fantasía lejos del hogar, de los padres y de los campamentos.

Sorprende cómo la categoría del reparto (Edward Norton, Bruce Willis, Bill Murray...) se divide entre ínfimos papeles que giran en torno al debut de dos pequeños actores, entre los que se hace inevitable destacar a la joven Kara Hayward. Wes Anderson ha podido dar a descubrir a la que podría ser una futura gran actriz, como ya hizo Alexander Payne con Shailene Woodley o Matthew Vaughn con Chloë Moretz. 

Es quizás de esto sobre lo que versa la lección de Anderson. Del comienzo de la necesidad de intercambiar papeles entre los pequeños y los mayores, del cambio generacional que tarde o temprano deberán proceder a dar paso unas estrellas que, aunque siguen brillando en interpretación, no consiguen engañar a un paso del tiempo culpable de arrugas y canas.

'Moonrise Kingdom' puede atravesarnos el pecho o bien ser una más de tantas barcas que zarpan y no llegan a puerto. Pero sin duda consigue sacar a nuestro niño interior, ese que soñaba despierto, se enamoraba y se escapaba de casa.

[ Crítica ] Hitchcock.

'Hitcock' nos presenta la decisión del 'Maestro del suspense' Alfred Hitchcock de filmar una película de terror aparentemente de baja categoría. Ningún estudio apoyaba el proyecto, así que él mismo decide financiarlo y rodarla con un equipo barato de TV. El resultado fue un fenómeno internacional y una de las películas más famosas e influyentes de la historia.

Ahora, el desarrollo del filme en sí, al ser un biopic tiene la obligada comparación con la cercanía que tiene a la realidad. Tiene un poco de desmérito que tuvieran que hablar en la pretendida relación de Alma con su compañero escritor para mostrar un lado sensible de Hitchcock, creo hubiera estado mejor centrarse en su vida como cineasta y adentrarse más en la realización de la película que le dio el mayor reconocimiento, 'Psicosis'.

Sin embargo, hay muchos puntos a resaltar sobre esta buena película: el maquillaje de todos está muy bien realizado, sorprendentemente bien hecho, a mi parecer, pues al ver maquillajes, me vienen a la mente los que hicieran para 'J. Edgar' de Di Caprio, que fueron terriblemente malos en la parte de la vejez de Hoover y su compañero; Hopkins, aunque no luce enteramente como Hitchcock, sí se parece muchísimo, Mirren está muy parecida, Johansson y hasta quien interpreta a Norman Bates está muy bien caracterizado.

La trama está bien aplicada, aunque hay momentos que se siente que el personaje principal se pierde un poco.

Pero no todo es malo, la recreación de la escena de la bañera de 'Psicosis' es muy buena, pues Hitchcock de basa en sus demonios internos para demostrar la intención con la que un asesino haría el trabajo, liberar toda esa presión para sentir el alivio tan ansiado; la negociación con los estudios que Alfred hacía al sentirse un poco arrogante sobre su fama, y al ser rechazado por los mismos; la intimidad del pensamiento a la cama del protagonista, es de apreciarse.

Algo que sabía yo como espectador y fan de Hitchcock era la influencia de Ed Gein, asesino serial estadounidense, en la historia tras 'Psicosis', pero no pensé que éste último tuviera tanta incidencia en la película, lo cual me pareció bueno, un punto a favor.

Y al final tenemos una obra que nos da una visión de la vida de Hitchcock, que aunque es buena, le faltó un poco de intensidad en el desarrollo personal del personaje de principal, pero nos da una idea de cómo fue que se inspiraron para hacer aquella reconocida obra. Vale la pena verla, está entretenida.

[ Crítica ] Frankenweenie.

La película parte con el escueto argumento original de afrontar la pérdida de un ser querido, nada menos que resucitándole. La relación entre el joven Victor Frankenstein con su perro Sparky es tan sólo el principio de una historia que acabará elevando al cielo el mejor cine de monstruos, hasta hacerle soltar chispas, literalmente. La curiosa ‘mascota’ desata la locura de un colectivo de pueblerinos, y llega un punto en que la pantalla se colapsa de excentricidad con tanto bicho suelto. Pura dinamita.

Un guión en el que no faltan los chascarrillos, los personajes marginales y esa clara división entre los buenos, los malos y los peores que hace tan característico su grumoso cine. El 3D es tan sólo un elemento supérfluo y caprichoso de su visionado, ya que la misma estética en blanco y negro hace que parezca estar ante un filme rodado en los años 20, pero con la tecnología de ahora. Genial. 

La sensiblería permanece en su dósis justa, suficiente para sacarnos una traviesa sonrisa al final. A la mente acude esa mueca de alegría que se esboza de forma automática cuando Winona Ryder flota sobre el aire al final de 'Beetlejuice'. Pero también esa lagrimilla que se escapa tras el desenlace de 'Eduardo manos de tijera'.

Tim ha elegido una manera brillante de sacar las piernas del fango tras las malas críticas recibidas con 'Alicia en el país de las maravillas' o 'Sombras tenebrosas', y que poco a poco clavaban su lápida. Ahora esa lápida es el eje de una película eléctrica, compuesta de energía y dulzura a partes iguales.

'Frankenweenie' es un trabajo hecho para perdurar, una pieza de orfebrería de una precisión -y perfección- que abruma. El stop-motion fúnebre más vivo que se haya podido ver, para contar la historia del cortometraje original aportando, además, nuevos elementos que no sólo se amoldan como un guante sino que casi parecieran pensados para aquel trabajo de 1984, que por cierto mejora con el tiempo, como el buen vino.

Spoiler:

El homenaje 'Bambi meets Godzilla' está fragmentado pero es evidente, pues una de las mascotas resucitadas, una tortuga, se transforma en una suerte de Godzilla gigante que pisa a un hámster con un plano de su pie, exclusivamente. Cuando lo levanta, puede verse que detrás hay un cine en el que proyectan "Bambi". Simplemente memorable.

[ Crítica] Skyskraber.

El danés 'Skyskraber' significa skyscraper y rascacielos, en inglés y español, respectivamente, que es lo que el protagonista de esta película quisiera ver en su olvidado y moribundo pueblo del campo en Dinamarca, donde todos se conocen y éste poblado es controlado por 'El Jefe', que tiene un radiodifusora local que dicta lo que se hace y no.

La historia se centra en Jon, un joven de 17 años que tiene, o eso parece, la edad mental de un niño de 8 años que ha sido la víctima de todos en el pueblo por ser retraído e introvertido, además de ser el hijo del jefe, del que se enamora Edith, una bella joven ciega que está decidida a perder su virginidad para no morir sin haber conocido la sensación de haber hehcco el amor, y lo que les envuelve para llegar a aquella culminación, pues Jon padece de fimosis, condición en la que el prepucio no le permite tener una erección plena sin tener dolor. 

El filme tiene una trama que empieza con un ritmo un tanto lento en su desarrollo, pero que te engancha por la enigmática manera de ser de Jon, uno podría pensar que se trata de una historia de bullying, pero es una bella historia de amor que nos hace ver que todo es posible en este bizarro mundo, incluso para una ciega.

Está, también, embelesado este filme por la grandiosa música de Jonas Bjerre, vocalista de Mew, que completa la transmisión de sensaciones que nos hacen empáticos con este muchacho que sólo quiere ser feliz, dentro de su atormentado mundo.

Me parece que nos adentra en un lugar diferente, y aunque no nos va a cambiar la vida, por lo menos tenemos una historia peculiar, que nos brinda la sensación de bienestar y felicidad en cosas insignificantes podemos encontrar.

[ Crítica ] J. Edgar.

'J. Edgar' no es una película fácil, ni una biografía complaciente. Pero es un retrato tan complejo y sutil que su elegancia y su magnitud son imposibles de no aplaudirse. La película habla sobre los secretos, las mentiras y la moral que definieron a una persona conocida por saber los secretos y mentiras de toda una nación, y por perseguir, en sus casi ochenta años de vida, la moralidad -para él- absoluta. 

El gran mérito de Eastwood es cómo plantea estos temas, haciendo que toda su historia sea una hazaña, definitoria para el país, pero disfrazada con mentiras que utilizó el propio Hoover para enaltecerse a sí mismo; una identidad subyugada por los secretos imposibles de reconocerse hacia su propio yo; y una moral absoluta que Hoover mismo era incapaz de alcanzar, dando como resultado una personalidad confusa y obsesiva, reprimida en sus emociones más humanas por él mismo, por su propia mentalidad, por su personal miedo.

Eastwood demuestra una maestría única al tratar esta historia, repleta de claroscuros, con unos recursos visuales que apoyan su discurso. Pero a su vez, Lace Black hace que cada paso institucional de Hoover se complemente con unas carencias emocionales de irreparables daños psicológicos para su ser. Pero todo está hecho con tan buen gusto, que 'J. Edgar' en ningún momento es un juicio inapelable a su protagonista, ni una elegía a ese hombre tan influyente, sino un retrato completo e imparcial, que invita a los espectadores a sacar una propia conclusión.

Al margen del maquillaje, que es un punto muy bueno, pues no se ve a las estrellas debajo de él, es cierto, se ve a unos ancianos cargados de años y experiencia, con el peso de la vejez en sus rostros, pero todos sus actores están perfectos. Ya sea por la progresión emocional del personaje (Hammer), o por la dificultad de hacer de él alguien especial y complejo sin que se muestren distintas caras del mismo, o apenas nada de su vida (Watts), o por su complejidad psicológica y su dureza (Dench) todos los actores secundarios están perfectos.

Y en cuanto a DiCaprio, parece difícil, casi imposible discutir las cotas tan altas a las que llega en esta interpretación, fruto de una carrera en que sus trabajos y su genialidad van subiendo película a película. Desde los papeles de estrella, como 'Titanic', 'Romeo + Julieta', a sus primeras composiciones verdaderas 'Atrápame si puedes', 'Diamante de sangre', 'El aviador', hasta llegar a puras muestras de un talento y entrega totales 'Revolutionary road', 'Shutter Island' e 'Inception', ha llegado hasta aquí para demostrar lo perfecto que puede llegar a ser el trabajo de un actor con un personaje. Cómo sin alardes ni dramatismos puede dominar un texto complejo y concientemente frío; cómo amoldar cada gesto y tono de voz al de otra persona; y cómo dejarnos atisbar la humanidad de éste en breves momentos conocidos a su pesar. Su interpretación es, sin discusión, extraordinaria.

[ Crítica ] The twilight saga: Breaking dawn part II.

Hay en toda obra cierto tipo de narrativa, como en literatura o cine, eso que se da en llamar "el horizonte de expectativas". Si uno espera mucho mucho, y luego se encuentra con algo pasable como en la reciente 'Skyfall' (estrenada hace poco, y a la que no se cansan de poner de obra maestra... la  verdad es que ni remotamente lo es) pues sale del cine decepcionado. Si no espera nada en especial, como es el caso con 'Breaking dawn part II', igual pasa el rato y todo va bien. Todo el mundo sabe a lo que va cuando paga por ver una peli como ésta. La predisposición hace mucho.

El primer filme de la saga me pareció el más meritorio (pese a que le llovieron malos comentarios por todos lados) porque la directora supo darle el toque justo para enganchar a la gente (y luego le dieron la espalda, claro está). Si hubiera sido un fiasco de verdad igual la saga no hubiera continuado. La música hizo mucho. La segunda y tercera películas, con más medios, plantaron cierta regularidad estética y argumental, mientras que la cuarta, como en la segunda parte del séptimo libro de Harry Potter, por esa absoluta desvergüenza de partir historias en dos para cobrarte el doble, pues era un bodrio infumable. Ésta es más entretenida, sigue con esa estética tan bonita de los bosques y demás, y con el amor insulso y edulcorado de estos chicos que supuestamente tienen un siglo de vida por lo menos.

En fin, que no tiene mucho más que decir, esta peliculilla, que ni es obra maestra, desde luego, como algunos fans histéricos la ponen, ni absoluta basura, pero no tiene más de dónde rascar. Es una fábula agradable y mojigata para que las pubertas de turno, unas adolescentes y otras no tanto, sueñen con el amor que nunca tendrán, pero nada más. No es necesariamente malo.

Si uno no es experto en cine quizá encuentre ciertas inconsistencias en la historia, pero no hay que preocuparse... la vida es la misma igual.

[ Crítica ] When the lights went out.

Sucede a finales de los 70's en una zona de clase media de Londres. Acaba de mudarse a una casa aparentemente de interés social y queda claro que la falta de recursos económicos serán una de las razones por las que se verán obligados a permanecer, en vez de salir corriendo como dictaría el sentido común.

La película me parece que se desarrolla con una muy interesante propuesta: procura tener una acercamiento en donde poco a poco vamos sintiendo y viendo la presencia del ente. Si bien, utiliza lugares comunes para "asustar" creo que generalmente sale bien librado y mantiene la tensión para que estemos atentos a la explicación de tales manifestaciones.

En ese sentido, considero que las primeras dos terceras partes de la película se desenvuelven muy bien, sin embargo, es en la resolución final donde creo que el guión afloja. Se incorporan elementos no previstos, sacados bajo la manga, para que en una parte final, con unos efectos especiales muy baratos se pierda todo el ambiente que se había creado de suspenso. 

¿Vale la pena verla? Para amantes del cine de fantasmas, sí. De no ser por el desenlace creo que hubiera sido una buena película, porque logra generar el suspenso, creo que logra generar un ambiente propicio (frío, húmedo, gris) pues no es aburrida y la actuación de la niña es muy creíble.

[ Crítica ] Paranormal activity 4.

Un 2 sobre 10 es lo que se merece esta cuarta parte de la saga. 

Me he sentido estafado con esta película y ni siquiera he pagado por verla. 

Aún así, tiene un inicio de película correcto, incluso te llegas a reír con el novio de la protagonista, Alex. El problema viene cuando se centran en la trama, que les cuesta, porque de hora y media que dura esta pieza, tarda casi una hora en pasar 'algo' trascendente. 

Otra cosa que me ha molestado es la excesiva publicidad: que si Kinect de Xbox, que si MacBook Pro, que si Pepsi, que si Google, que si Youtube. He llegado a pensar que estábamos viendo una película para televisión de Hallmark, y creo que ni esas son tan malas.

¿Las actuaciones? Pues bueno, no podían hacer más, los niños un poco flojos. 

¿Sobresaltos? Me sobran dedos de una mano para contarlos. Si prepararas a la gente para el susto y les pones carteles luminosos que dicen "¡Eh, ahora va a pasar una sombra!" o "Acabo de apagar la luz de mi cuarto y dejo las 3 puertas que tiene mi habitación abiertas" no asustas.

El argumento es repetitivo a más no poder, hay acciones sin sentido como que de repente hay personajes que entran en la casa sin ningún problema y a cualquier hora, repetición de escenas. 

Spoiler:

Está muy bien el cuento de 'somos americanos y tenemos dinero', ¿pero cómo es eso de tener un MacBook en cada habitación? Eso de que la madre tenga en la cocina un portátil para mirar las recetas es muy conveniente. 

Lo que es estúpido es que el novio de Alex, Ben, ponga a grabar todos los ordenadores para vigilar qué está pasando en esa casa y que de repente, no vuelva nunca más. 

Por cierto, Alex tiene un problema con la cámara no puedes ir a buscar a tu hermano que se ha escapado a casa de la vecina satánica y estar con la cámara en mano. 

El clímax llega al final cuando, después de estar todo el día fuera el padre y Alex (y sin llamar ni una vez a casa convenientemente). Llegan a casa y no se le ocurre al padre otra cosa que ir a casa de la vecina, de noche con todas las luces apagadas. Alex, en cambio, prefiere esperar e ir luego SOLA con cámara en mano sin soltarla ni para nada, todo muy natural.

[ Crítica ] Hecho en México.

'Hecho en México' es un documental musicalizado por los diferentes géneros que hay en el país, aunque no se abarcan todos y tampoco es la intención, para dar un recorrido multicultural por lo extenso y vasto que es nuestro país.

Está apoyado por Televisa, lo cual puede parecer tendencioso, y, lamentablemente, lo es.

Pero más que centrarse uno como espectador en ese aspecto, habrá que hacerlo en el resaltar la riqueza de la cultura en México, la música, la religión, la comida, la familia, la vida. 

Como documental está bien realizado, me agradó que todo el filme está musicalizado por todo tipo de ritmos, se muestran distintos y distantes lugares que nos dan un panorama más amplio de lo que integra nuestro gran país.

Es de remarcar, con pesar, que un extranjero tenga que resaltar todo lo que la película recorre, ¿por qué es que alguien de fuera tiene que venir a apreciar lo que para nosotros se ha vuelto común y corriente?

La recomiendo con advertencia adelantada de que ésto es un repaso por la cultura. Creo que una falta que tiene es que le hace falta propuesta, sí da información, recalca y promueve la cultura, pero no pasa de ahí. Creo que le hace falta tener una propuesta más clara.