[ Crítica ] Las aventuras de Tadeo Jones.

Se estrena como el primer largometraje de Enrique Gato, el cual adapta a la gran pantalla un personaje ya utilizado en dos cortometrajes, donde ambos le dieron el Goya a mejor corto de animación en 2004, del cual sólo queda el personaje principal, cambiando todo lo demás. 

La cinta está rebosante de aventuras y buenas intenciones, disfrutando de paisajes inolvidables muy bien recreados y unos personajes secundarios muy divertidos y entrañables.

Tadeo Jones nos transporta a un mundo de aventuras donde los sueños pueden hacerse realidad, donde los pequeños gozarán con las travesuras del loro mudo y el perro despistado, y los mayores disfrutarán con sus múltiples guiños a películas como 'Indiana Jones'.

Resulta obligado resaltar la gran labor realizada en esta cinta de animación española, la cual nada tiene que envidiar a productos como Dreamworks. No sólo está bien hecha, sino que es sumamente entretenida.

Se agradece ver un planteamiento de personajes secundarios sumamente divertidos, con un trotamundos capaz de venderte cualquier cosa y un loro mudo que se ayuda de gestos y carteles para informar de los peligros a la pareja protagonista, el cual no para molestar al inocente perro de Tadeo. Sin olvidarnos de los malos, con un jefe que posee un brazo mecánico que se modifica a su voluntad.

En resumen, disfrutamos de una cinta llena de aventuras, comedia y valores que inculcar a los pequeños de la casa; los cuáles no sólo se divertirán, sino que también aprenderán valores necesarios y útiles para la vida, como la lealtad, la amistad, la verdad… Pero sobretodo, a no dejar de soñar, a creer en ti mismo, porque si tú crees en ti mismo, también lo harán los demás.

[ Crítica ] The sessions.

'Las sesiones', com se tituló en español, es una divertida comedia basada en una historia real, concretamente en un reportaje periodístico publicado por el protagonista de la película.

Mark, de 38 años, contrajo polio en su infancia, y como consecuencia de esta enfermedad sólo es capaz de mover la cabeza, así vive recluído en un pulmón de acero, del que sólo puede salir con una autonomía de 3 horas.

Con semejante historia, uno podría creer que la cinta, dirigida por Ben Lewin, es un drama en toda regla, que busca la compasión del espectador por las condiciones de vida de este hombre, invitando a la lágrima fácil. Y sin embargo no es así. Como decía, 'Las sesiones' es una comedia fresca, sin sentimentalismos, que no intenta provocar gratuitamente el llanto en el espectador, lo cual es de agradecer.

Mark, el protagonista, es consciente de su situación, y se enfrenta a ella con sentido del humor. Así, la cinta destaca por unos divertidos diálogos, alejados del paternalismo que uno podría esperar.

La premisa es que Mark, periodista y poeta, debido a un encargo de trabajo sobre el sexo en personas con discapacidad, decide contactar con una terapeuta sexual, para iniciarse él mismo en las relaciones sexuales, mientras elige al nuevo cura de su iglesia como confidente de sus actividades. Este tema, que podría ser considerado como tabú por muchos, es tratado con total naturalidad y, una vez más, con un gran sentido del humor.

Además, los intérpretes están perfectos: John Hawkes como el protagonista con un trabajo especialmente destacable, por las características físicas que le impone el dar vida a un hombre con secuelas producidas por la polio, y por su contención, dando mayor verosimilitud a su personaje; William H. Macy, como el cura que ejerce de improvisado confidente del protagonista; y Helen Hunt, como la terapeuta sexual, interpretada también con una admirable naturalidad.

[ Crítica ] Beasts of the southern wild.

La historia narrada desde los ojos de una niña, Hushpuppy, es el inicio de un recorrido que nos llevará dentro de la fantasía, ésta irá creciendo en un ambiente de carencia de todas las comodidades que podemos esperar, al lado de su padre, un hombre tosco y enfermo que trata de hacer que su hija vea la vida como es, cruda y real, y él es un padre que necesita saber que su hija es lo suficientemente fuerte como para afrontar el futuro que le espera.

El film es una bocanada de frescura, pues siempre es bueno saber que hay gente desconocida en el mundo cinematográfico que sabe emocionarnos. La narrativa es cálida e inocente hasta el punto que la protagonista nos hace sentir empatía por la historia y los personajes, aunque hay una parte de nosotros que no entiende por qué.

El estado de miseria y las condiciones paupérrimas de vida, no impedirán que padre e hija tengan su fantasía, conquistando el mundo desde lo que ellos llaman 'la tina'. El filme es un retrato del impacto de una realidad que esta ahí, día a día y no sólo en Estados Unidos, en todos lados.

Cabe destacar de sobremanera el debut en la dirección de Benh Zeitlin y la buena fotografía, también el manejo preciso del uso del realismo mágico y como metáfora final el diálogo del desenlace: 'Veo que soy una pequeña pieza de un gran, gran universo, y así es como debe ser'.

[ Crítica ] Moonrise kingdom.

Hoy en día está todo tan inventado en la industria del celuloide que cualquier aporte diferente de hacer cine es bienvenido. Y guste o no guste, Wes Anderson ha demostrado que ha llegado a Hollywood para quedarse. La lucha a toda costa por sueños inalcanzables y amores imposibles que habita en sus películas vuelve a producirse en 'Moonrise Kingdom', un colorido viaje que mezcla la infancia y la inocencia con una historia de heroicidad, aventura y romance.

El sello personal del texano recae en la perfección de los travelling y los planos secuencia, en el uso de la cámara lenta y la música chill out para aumentar el clímax, en el empleo de colores pastelosos, en guiones donde el equilibrio entre la comedia y el drama pende de un hilo de nylon. Esta historia protagonizada por pequeños héroes incomprendidos combina el heroísmo con el patetismo entrañable, despoja sus almas del cuerpo y les sumerge en un carrusel de fantasía lejos del hogar, de los padres y de los campamentos.

Sorprende cómo la categoría del reparto (Edward Norton, Bruce Willis, Bill Murray...) se divide entre ínfimos papeles que giran en torno al debut de dos pequeños actores, entre los que se hace inevitable destacar a la joven Kara Hayward. Wes Anderson ha podido dar a descubrir a la que podría ser una futura gran actriz, como ya hizo Alexander Payne con Shailene Woodley o Matthew Vaughn con Chloë Moretz. 

Es quizás de esto sobre lo que versa la lección de Anderson. Del comienzo de la necesidad de intercambiar papeles entre los pequeños y los mayores, del cambio generacional que tarde o temprano deberán proceder a dar paso unas estrellas que, aunque siguen brillando en interpretación, no consiguen engañar a un paso del tiempo culpable de arrugas y canas.

'Moonrise Kingdom' puede atravesarnos el pecho o bien ser una más de tantas barcas que zarpan y no llegan a puerto. Pero sin duda consigue sacar a nuestro niño interior, ese que soñaba despierto, se enamoraba y se escapaba de casa.

[ Crítica] Skyskraber.

El danés 'Skyskraber' significa skyscraper y rascacielos, en inglés y español, respectivamente, que es lo que el protagonista de esta película quisiera ver en su olvidado y moribundo pueblo del campo en Dinamarca, donde todos se conocen y éste poblado es controlado por 'El Jefe', que tiene un radiodifusora local que dicta lo que se hace y no.

La historia se centra en Jon, un joven de 17 años que tiene, o eso parece, la edad mental de un niño de 8 años que ha sido la víctima de todos en el pueblo por ser retraído e introvertido, además de ser el hijo del jefe, del que se enamora Edith, una bella joven ciega que está decidida a perder su virginidad para no morir sin haber conocido la sensación de haber hehcco el amor, y lo que les envuelve para llegar a aquella culminación, pues Jon padece de fimosis, condición en la que el prepucio no le permite tener una erección plena sin tener dolor. 

El filme tiene una trama que empieza con un ritmo un tanto lento en su desarrollo, pero que te engancha por la enigmática manera de ser de Jon, uno podría pensar que se trata de una historia de bullying, pero es una bella historia de amor que nos hace ver que todo es posible en este bizarro mundo, incluso para una ciega.

Está, también, embelesado este filme por la grandiosa música de Jonas Bjerre, vocalista de Mew, que completa la transmisión de sensaciones que nos hacen empáticos con este muchacho que sólo quiere ser feliz, dentro de su atormentado mundo.

Me parece que nos adentra en un lugar diferente, y aunque no nos va a cambiar la vida, por lo menos tenemos una historia peculiar, que nos brinda la sensación de bienestar y felicidad en cosas insignificantes podemos encontrar.

[ Crítica ] J. Edgar.

'J. Edgar' no es una película fácil, ni una biografía complaciente. Pero es un retrato tan complejo y sutil que su elegancia y su magnitud son imposibles de no aplaudirse. La película habla sobre los secretos, las mentiras y la moral que definieron a una persona conocida por saber los secretos y mentiras de toda una nación, y por perseguir, en sus casi ochenta años de vida, la moralidad -para él- absoluta. 

El gran mérito de Eastwood es cómo plantea estos temas, haciendo que toda su historia sea una hazaña, definitoria para el país, pero disfrazada con mentiras que utilizó el propio Hoover para enaltecerse a sí mismo; una identidad subyugada por los secretos imposibles de reconocerse hacia su propio yo; y una moral absoluta que Hoover mismo era incapaz de alcanzar, dando como resultado una personalidad confusa y obsesiva, reprimida en sus emociones más humanas por él mismo, por su propia mentalidad, por su personal miedo.

Eastwood demuestra una maestría única al tratar esta historia, repleta de claroscuros, con unos recursos visuales que apoyan su discurso. Pero a su vez, Lace Black hace que cada paso institucional de Hoover se complemente con unas carencias emocionales de irreparables daños psicológicos para su ser. Pero todo está hecho con tan buen gusto, que 'J. Edgar' en ningún momento es un juicio inapelable a su protagonista, ni una elegía a ese hombre tan influyente, sino un retrato completo e imparcial, que invita a los espectadores a sacar una propia conclusión.

Al margen del maquillaje, que es un punto muy bueno, pues no se ve a las estrellas debajo de él, es cierto, se ve a unos ancianos cargados de años y experiencia, con el peso de la vejez en sus rostros, pero todos sus actores están perfectos. Ya sea por la progresión emocional del personaje (Hammer), o por la dificultad de hacer de él alguien especial y complejo sin que se muestren distintas caras del mismo, o apenas nada de su vida (Watts), o por su complejidad psicológica y su dureza (Dench) todos los actores secundarios están perfectos.

Y en cuanto a DiCaprio, parece difícil, casi imposible discutir las cotas tan altas a las que llega en esta interpretación, fruto de una carrera en que sus trabajos y su genialidad van subiendo película a película. Desde los papeles de estrella, como 'Titanic', 'Romeo + Julieta', a sus primeras composiciones verdaderas 'Atrápame si puedes', 'Diamante de sangre', 'El aviador', hasta llegar a puras muestras de un talento y entrega totales 'Revolutionary road', 'Shutter Island' e 'Inception', ha llegado hasta aquí para demostrar lo perfecto que puede llegar a ser el trabajo de un actor con un personaje. Cómo sin alardes ni dramatismos puede dominar un texto complejo y concientemente frío; cómo amoldar cada gesto y tono de voz al de otra persona; y cómo dejarnos atisbar la humanidad de éste en breves momentos conocidos a su pesar. Su interpretación es, sin discusión, extraordinaria.

< Crítica > Dieta mediterránea.

Defraudado quedará todo aquel que piense que ésta es una comedia de esas de divertidos gags, chistes y personajes cómicos. No lo es. Es la historia vital de su protagonista, Sofía, contada desde un punto de vista amable, ligero, pero no gracioso. No pretende ser una comedia graciosa.

Defraudado también, y por el mismo motivo, quedará el que espere encontrar a Paco León haciendo el payaso y reírse con él. El chico es gracioso, de eso no hay duda. Pero también es buen actor, y aquí se permite cambiar de registro y afrontar un personaje serio. Sale muy bien parado.

Lo más destacable son todos y cada uno de los actores y lo bien dirigidos que están por un Joaquín Oristrell que les otorga a ellos todo el protagonismo desde el principio, quedándose rezagado y sin hacerse notar.

Película de factura impecable. Ritmo ágil en su narración. Muy buena ambientación. La fotografía de las diferentes épocas está tratada de modos diferentes, cambiando colores, luz, texturas. Buen trabajo de vestuario, peluquería y maquillaje. El encargado del atrezzo es un genio. Las secuencias de cocina muy bien rodadas. Las de sexo también. Ambos argumentos resultan deliciosos. En su justa medida, suaves, sin saturar.

La idea de amarse entre tres es algo muy distinto, enfocado desde el corazón, no desde el deseo. Te hace pensar si tú podrías adentrarte en una situación donde compartes la cama con otras dos personas. A mí está película me ha gustado mucho, se las recomiendo.

[( Crítica )] Straw dogs.

De cómo un amor juvenil termina mal...

La verdad comencé a ver este filme, "Perros de paja" por su título en español, sin ninguna pretensión, aún sabiendo que era un remake del clásico "Perros de paja" de 1971, esperaba algo soso y sin chiste. Pero vaya sorpresas nos tiene guardado el destino y, en este caso, el cine.

Si la película de Sam Peckinpah, la de 1971, era algo así como una obra maestra, la de Rod Lurie, esta de 2011, es un digno remake más fiel al libro de Gordon Williams que al filme original. Ahora, si tengo que elegir una de las dos, personalmente me quedo con la de Sam Peckinpah por su perturbadora, inquietante, angustiosa atmósfera y porque provocó en mí diversas sensaciones. 

Es la primera vez que veo actuaciones dignas y creíbles por parte de James Marsden y Kate Bosworth, pues éstas que al inicio están un poco estereotipadas, pero que van cambiando con el rumbo del filme, te enganchan, te convencen de que ésa es una situación extrema, pues la locura y la ira son contagiosas, muy contagiosas.

Hay remakes que no están a la altura de la original y otros que en raras ocasiones la superan, en este caso se trata de una película con pequeños cambios del guión, como el lugar donde se desarrolla la historia (en el sur de Estados Unidos en vez de Inglaterra) o la profesión del protagonista (guionista de cine histórico en lugar de astrofísico), que no entorpecen para nada una narración que mantiene el interés durante toda la película. 

El ritmo de la película también te lleva de la mano, sin decaer en ningún momento y que te tiene enganchado por saber el final, que, aunque todos lo sabemos, el desarrollo de éste es lo que nos interesa.

Se las recomiendo ampliamente, verán que les dejará un buen sabor de boca y sobre todo les hará pensar en qué harían en una situación similar. Yo hubiera hecho lo mismo.

SPOILER.

El final con la trampa para osos es digno de recordar, no hubiera pensado en darle tal uso, pero sin embargo me sorprendió gratamente.

The devil's double.

Excelente film de origen belga, dirigido por Lee Tamahori (“007: Otro día para morir” o “Telaraña” con Morgan Freeman) y basado en la novela de Latif Yahia “I was Saddam's Son” (“Yo fui el hijo de Saddam”), quien fue obligado a ser el doble de Uday Hussein (el hijo mayor de Saddam).

El film está situado temporal y espacialmente en el conflicto entre Irán y Kuwait, en 1990. Utilizando imágenes documentales el film propone una mirada global y objetiva del conflicto, haciendo pesar el aspecto “pérdida de vidas humanas” a la que estos conflictos llevan. Luego, la parte ficcional del film ya desde su título deja en claro su postura sobre el régimen de Saddam y en especial sobre la maldad de su hijo Uday. En este último sentido, es interesante la contraposición que hace el film entre Latif y Uday, entre un soldado que da su vida por un país, el cual es manejado por el “diablo”… interesante paradoja. La actuación de Dominic Cooper es impresionante, no sólo por el doble papel, sino por lo distinto de ambos papeles.

Indignante, fuerte, bien situado contextualmente y buenas interpretaciones. Además, hay que destacar su diferencia de otros films hechos sobre los conflictos de medio oriente, los cuales casi siempre terminan condecorando “fílmicamente” a las tropas norteamericanas y pierden muchas veces el problema interno de raíz, en este caso, hay una mirada moral más que política.

Es una película muy recomendable, el conflicto bélico está muy bien entrelazado con la historia personal de Uday y Latif. Si tienen oportunidad, véanla!

El gato con botas.

Hace ya mucho tiempo los estudios Dreamworks dieron a luz un ogro verde, huraño y feo al que bautizaron "Shrek". Lo situaron en los cuentos de hadas de Andersen y los hermanos Grimm, le mandaron a vivir a una ciénaga, le dieron como compañero a un asno parlanchín y como novia a una princesa/ogro maestra en artes marciales. La película, una delirante y original sátira sobre los cuentos de hadas fue una auténtica revolución en el mundo de la animación. Gustó tanto a mayores como a niños, a críticos como a espectadores, ganó un merecido Óscar a la mejor película de animación y desbancó a su acérrimo y eterno rival: Pixar.

Dreamworks creyó que tenía en sus manos a la gallina de los huevos de oro y comenzó a exprimirla cual vaca lechera, trayendo al mundo "Shrek 2", "Shrek tercero" y "Shrek, felices para siempre", cada cual menos brillante que el anterior. Tanto apretujon dejó sin fuerzas a la gallina, y lo que una vez fue un producto de calidad y original se convirtió en una decadente franquicia en la que el ogro acabó apestando tanto dentro como fuera de la pantalla.

Pero no todo fueron malas noticias. De "Shrek 2" nació un pícaro y adorable gato atigrado que acabó convirtiéndose en uno de los personajes más populares y queridos de la saga. Él era por supuesto el Gato con Botas, una felina versión del Zorro, al que Dreamworks ha decidido volver a dotar de vida en un "spin-off" en el que reina la aventura y sobre todo el humor.

Fiel a su estilo, "El Gato con botas" nos habla de la infancia de Gato en un orfanato, su amistad con un huevo llamado Humpty Dumpty y el origen de sus botas. Tras convertirse en forajido en contra de su voluntad, Gato busca la redención para poder volver con orgullo a su pueblo, San Ricardo. Esa oportunidad se le presenta en la persona de Humpty, que asegura la existencia de la Gallina de los Huevos de Oro, que volvería archimillonario a su poseedor. Acompañados de la seductora Kitty, una gata salvaje que trae de cabeza a nuestro peludo amigo, juntos se embarcan en la misión de robarles a Jack y Jill (unos bandidos y obesos humanos con muy malas pulgas) los frijoles mágicos que, según la leyenda, les llevarán hasta el castillo del gigante, donde se encuentra la valiosa gallina. Pero siempre hay gato encerrado...

Su argumento es bastante predecible y la animación es excepcionalmente buena, aunque si hay algo que brilla, es el doblaje. Un magnífico Antonio Banderas pone voz una vez más a su personaje por excelencia, luciéndose como nunca antes. Chispeante y encantador, Gato nos regala comentarios y monólogos únicos en los que destacan los momentos que cruza el español con el inglés.

Ante todo recomiendo a los que vayan a verla que no se hagan demasiadas expectativas. No le busquen tres pies al gato. Estamos ante una película para todos los públicos, amena y entretenida sin pretensiones de ningún tipo. Lo bueno es que si bien no la carcajada, la sonrisa si está asegurada.

Horrible bosses.

Psycho. Maneater. Tool.

"Horrible bosses", o "Quiero matar a mi jefe" por su traducción al español, es una de las mejores comedias del año, ya que es mucho más inteligente que otras opciones que se han estrenado este año. En "Horrible bosses" no se tiene esa sensación de déjá-vu que ocurre en la mayoría de las comedias estrenadas por el verano, esto es porque su historia es fresca y bastante original para ser una comedia de este tipo, además su humor es negro, de lo más descarado y original, y los gags son sencillamente buenísimos.

De entrada la trama capta tu atención, ¿quién no ha querido o pensado en matar a su jefe?. La historia arranca de forma ágil haciendo que te sumerjas en la misma y que odies a esos jefes como si fueran los tuyos (claro que debido a que los villanos son personajes muy atractivos como que los odias pero a la vez te caen bien) y la introducción me pareció bastante buena, sobre todo en la que presenta a una excelente Jennifer Aniston que hace tiempo no actuaba tan bien, desde ahí la película ya se ganó a la audiencia, ya que para ese entonces la audiencia ya simpatiza con los protagonistas.

Después de esa entretenida, aunque debo admitirlo, pero larga introducción empieza el plan para matar a los jefes, de esta manera se desencadenan situaciones de lo más graciosas, hilarantes y algunas muy creativas. La película huye de los clichés establecidos en este tipo de comedias y nos regala varias sorpresas, momentos en los que nadie con sentido del humor va a poder evitar gozar de las absurdas y creativas situaciones que se nos presentan. A destacar todas las escenas en las que los villanos están presentes y varias secuencias en las que los protagonistas hacen una estupidez tras otra.

De que hay peros los hay, no es perfecta, pero en mi opinión cumple lo que promete y no trata de ofrecer más que eso. Uno de los defectos que encuentro es que la introducción es algo larga, aunque es entretenida lo cual no es un defecto grave, por momentos insertan gags que no vienen al caso y que tratan de seguir las reglas de las tontas comedias veraniegas, una lástima porque la película teniendo gags tan originales no necesitaba que le insertaran ese humor que encontramos en cualquier película y eso hace que por momentos pierda su frescura.

El filme es muy recomendable para pasar un buen rato y sobre todo disfrutar de una nueva y original propuesta en comedias, les aseguro que no se van a aburrir.

El infierno.

México 2010, nada qué celebrar.

De principio a fin, este filme te lleva por los rincones de los pueblos polvosos, de la sequía, no sólo de la tierra, sino de la gente; sequía de posibilidades de vida y de honestidad... el calor arrasador no se comparará con lo arrasador de la violencia y de la ignorancia, de la pobreza y de la doble moral. 

El filme ha demostrado ser una explosiva manera de hacer comedia política de humor negro... ¿qué digo? ¡negrísimo! Con diálogos inteligentes y perfectamente creíbles, llenos de crítica social y de denuncia, "El Infierno" retrata de manera sublime la realidad contemporánea de México.

Las actuaciones son excelentes, todas y cada una de ellas (el único flojón es Mauricio Issac, que caracteriza al hijo del mero capo Reyes). Se nota el equipo en la cinta y que, actores y actrices, creen en el proyecto... y eso se ve pocas veces. La fotografía, música, vestuario y efectos especiales, no se quedan atrás, todo está en su lugar y sin aspavientos. La forma de resolver problemas temporales con creatividad, también se agradece, puesto que no se trataba de despilfarrar recursos (como en la mayoría de producciones hollywoodenses), que, como podemos ver, en México no sobran.

"El Infierno" está aquí y es de agradecer que nos muestre la realidad de manera tan cruda, pero con tanto humor, porque de otra manera, sería insoportablemente terrible. 

Hay que hacer notar que en la película  hay situaciones de risa, de aplausos, sobretodo en las alusiones directas a los políticos involucrados con la tristísima situación actual del país, de la cual, son directamente culpables. Así que, además de todo, sirve para hacer catarsis.

Finalmente, resaltar el valor, no sólo del arte de esta película (en toda su extensión), sino de Luis Estrada por atreverse a decir verdades que pocos quieren escuchar... Los mexicanos deberíamos estar agradecidos de que todavía nos quede buen cine.

Vicenta.

La primera película de re-animación en stop-motion.


Es una producción simpática y bien cargada de humor negro, sobre todo. Tiene entre sus mejores cualidades una animación muy cuidada, con mucho estilo, y el humor ácido con el que presenta el decrépito mundo de la protagonista, que sufre pero que no quiere dejar de sufrir.

Vicenta es un digno cortometraje, aunque lo presentan como película, que debió haber ganado sin mayor dificultad al resto de contrincantes por el Goya de 2010, por la que fue nominado como "Mejor cortometraje de animación", lamentablemente España es diferente y un corto, aunque muy bueno también, se alzó con la estatuilla.

El corto goza de estar muy bien trabajado y de ser muy detallista en decorados y personajes, “Vicenta” es un metraje, que aunque la historia no tiene mucha originalidad, el giro al final hace que valga la pena verlo.

Bridesmaids.

Save the date.

Primero debo comentar que la traducción del título al español, "La boda de mi mejor amiga", como siempre tiene nada qué ver con el título original, empezamos mal.

La historia gira en torno a Annie, una mujer fracasada, deprimida e infeliz. Cuando Lillian, su mejor amiga, se compromete y le pide que sea su dama de honor, Annie acepta inmediatamente. Pero la primeriza alegría que siente por su amiga se convierte en veneno al chocar estrepitosamente con la realidad de su propia vida… que consiste en tener casi 40 años y sin dirección, deprimida y sin un centavo. Annie se siente excluída, especialmente después de conocer el resto de la corte nupcial. Y sobre todo a la perfecta, hermosa, controladora Helen con quien compite para obtener el estatus de MEJOR AMIGA PARA SIEMPRE. La prima Rita está infelizmente casada y disgustada con sus tres hijos. Becca, una recién casada, está luchando para ajustarse a la "felicidad matrimonial". Y Megan esta literalmente obsesionada con el sexo, es descarada y muy poco discreta. Así que mientras Lillian está atrapada en el torbellino de la planificación de la boda, a Annie la corroe la envidia, y en lugar de tragárse su frustración y apoyar a su mejor amiga, decide egoístamente desahogarse sin contemplaciones.

Kirsten Wiig, quien de repente es como la protagonista y deja de lado a la novia, goza de una viveza, una gracia increíble para realizar su papel en situaciones tan raras y descabelladas para lograr lo que quiere, desde emborracharse en un avión hasta manejar desnuda, todo esto con ideas muy buenas, que si algunas pueden tener cierta relación con "gags" de otras películas, no creo en la comparación que de ellos, y del filme en sí, se han hecho con "¿Qué pasó ayer 2?".

El filme cuenta con muchos puntos a su favor, pero cabe destacar que para lograr algo bueno no siempre se tiene que llegar al humor escatológico e irreverente que en ciertas mujeres "no se ve mal" digamos, pero que luego de tanto y tanto, resulta cansino. Tiene sólo dos o tres guiños divertidos, lo mínimo que podíamos pedir, pero cuenta con un humor muy americano, un argumento lleno de tópicos típicos y ningún momento para recordar.

La película en sí tiene más gracia que la media de este tipo de producciones, pero hay ciertos puntos que sacan de quicio a cualquiera: la duración es excesiva hasta el aburrimiento, estirando una historia a la que le sobra media hora, por no hablar del horroroso final de manual, con actuación musical, reencuentro amoroso y estabilidad para una protagonista que es inaguantable.

Me hizo reír en varias situaciones, pero no es algo que quede grabado para la memoria, fácilmente a las 2 horas la olvidarán por completo.

Karen llora en un bus.

¿Estás listo para encotrar quién eres?

"Karen llora en un bus" es un drama sencillo, que no pretende gran cosa, pues sólo cuenta la historia de una mujer que tras llevar una tediosa vida junto a su esposo de comodidades y confort se separa de éste, luego de diez años de matrimonio, sin tener ningún apoyo y tiene que enfrentarse sola al mundo.

Al no poder encontrar un trabajo se dedica a robar manzanas y pedir limosna, creo que ésto último es uno de los detalles más crueles de la película, pero que realmente te pone a pensar en lo que un ser humano puede llegar a ser capaz con tal de comer. Lo importante de la historia no es que Karen se vuelve cleptómana de manzanas sino que empieza a buscar quien es ella, encontrándose, con la ambigüedad de este concepto, sola y por sí sola. 

Con unas buenas actuaciones, no tan malas como es lo habitual en algunas películas o telenovelas colombianas, la protagonista nos muestra un interesante retrato de una ama de casa que se abre camino en el mundo, los actores secundarios no lo hacen mal y la película nunca llega a aburrir, ni se vuelve pesada, algo que se le agradece.

Al final del filme te deja un buen mensaje, que te hace pensar en qué harías si estuvieras en esa situación. La recomiendo mucho, pues producciones colombianas de calidad, no hay muchas y ésta vale la pena verla.

Awake.

Every year, one in 700 people wake up in surgery.

Debo comenzar diciendo que este filme me ha sorprendido gratamente, pues creía que sería algo mediocre, algo así como una excusa para el lucimiento del atractivo físico (sobre todo para con el público adolescente) de la pareja protagonista, Hayden Christensen y Jessica Alba... Sin embargo, y tras un principio que tampoco hacía presagiar gran cosa, la película comienza a atraparte con una rara historia de amor hasta que desata la intriga, de mano de un guión que, moviéndose dentro de lo típico del suspense, es bastante efectivo.

Desde mi punto de vista el director consigue transmitir la impotencia, el dolor y la claustrofobia desde los cuales el protagonista nos habla durante la trama del film, sobre todo destacar la desesperación de estar "gritando" sin que nadie te escuche. 

Otro punto a favor son los dos grandes vuelcos que da la trama, jugando de este modo dinámicamente con el espectador y manteniéndole atento e interesado. Este film no dura más de 80 minutos pero éstos se pasan muy rápidamente debido a la tensión, la cual hace que la película se sienta realmente corta.

Creo que es una de las interpretaciones que más mérito merecen por parte de Christensen y Alba, pues aquí muestran unas actuaciones creíbles y que no son las caras bonitas, como siempre. Deberían seguir con papeles más serios y maduros como éstos.

La hora fría.

Nunca salgas al pasillo en la hora fría.

Hay que agradecer que de vez en cuando aparezcan películas como ésta, no tanto por su calidad intrínseca sino por su voluntad de querer cambiar algo en el cine español, sobre todo por lo que se refiere al género fantástico y de terror.

Acostumbrados a las lamentables producciones de la fantastic factory o a los films de factura tipo americano como "El orfanato", "La hora fría" supone una bocanada de aire fresco. Lo más destacable en ella es su intento por romper los clichés y ofrecernos una obra claustrofóbica, cuya tensión va in crescendo huyendo del susto fácil y profundizando en el tratamiento psicológico de los personajes.

Todo ello lo acusa la cinta, ya que el ambiente sobrio y tenebrista acaba por convertirse en un espectáculo con más capacidad para interesar que para aburrir. De todas maneras no hay que desmerecer del todo a esta película, cuyo alegato contra el belicismo hubiera merecido una mayor atención por parte del público y de la crítica. 

Tiene momentos de tensión que te mantienen interesado en saber qué es lo que sucede en la hora fría, es una producción de presupuesto decente pero bien lograda que no desmerece por el hecho de tratar una ficción que muchos consideran mala.

The union: the business behind getting high.

The business behind getting high.

Primero que nada, no hay que creer todo lo que se te dice.

Este es un documental que narra, incluyendo entrevistas, cómo es que la marihuana no es tan negativa como se cree, cómo es que tiene muchos usos comunes y que, posiblemente, no estábamos al tanto de ellos.

Me parece muy buena la manera en que se da a conocer todos los hechos y beneficios de la marihuana, aunque, he de confesar, que de repente tiene cierto tinte parcial y se podría mostrar como un filme "pro-legalización" de la misma; mucho debate y opiniones encontradas hay en cuanto a si se debe o no legalizar, en cuanto a si es o no una adicción, también en cuanto a si realmente es tan nociva como el gobierno y los medios de comunicación nos han contado, no digo que nos han hecho creer porque eso depende de cada quién y su criterio.

En cuanto al filme en sí, debo comentar que tiene unos cuantos altibajos pero que pueden llegar a pasar desapercibidos por el tema, que de por sí es interesante, y pone en duda nuestra posición para con este "delicado" tema.

Después de verla, debo decir, que mi punto de vista con respecto a esta droga ha cambiado un poco. Creo, mas no sé si es o no una droga adictiva, ni lo discuto tampoco, que en mucho depende del carácter del consumidor, pues eso determinará si será capaz de manejarla o no. 

El único detalle que no me agradó fue que se compara a la marihuana con el alcohol, el tabaco, la cocaína, la heroína y más drogas, que, aunque es relevante y vale la comparación, creo que pone un poco, pero sólo un poco, en duda la credibilidad de la defensa de la planta.

Chico & Rita.

Love is a song you never forget.

Una historia de amor imposible, a través de varias décadas y de dos países siempre enfrentados. El sueño de dos jóvenes soñadores cuyas ambiciones son demasiado grandes para caber en La Habana y les hará salir en busca del sueño americano. Asimismo, también se buscarán el uno al otro, en una interminable relación, traumática y tortuosa, donde los celos y las pasiones, al ritmo de endiabladas melodías de Bebo Valdés, contarán historias de una época, como el "Días de radio" de Woody Allen o más recientemente "El secreto de sus ojos" de Campanella.

La animación es una solución interesante y efectiva para narrar la historia, ya que permite a una producción modesta recrear con todo lujo de detalles, en impresionantes escenarios, la Quinta Avenida en los años 40's o una persecución a toda velocidad por las carreteras de la capital cubana. Lástima que este estilo de dibujo tan personal no sea tan efectivo a la hora de representar sentimientos en las caras de los personajes, como al recrear escenarios y fondos preciosos y muy logrados.

Hay dos razones por las que esta película merece muchísimo ser vista. La primera es la música, que convierte la película en un viaje que nadie desearía que acabara, ni perderse; la segunda es la animación, que transporta de una forma maravillosa a La Habana o Nueva York. El dibujo es fantástico y en algunos momentos de quitarse el sombrero.

Ispansi.

...donde las dos Españas se dan la mano.

La película son los recuerdos, al final de su vida, de un comunista, comisario político, Álvaro, a quien el destino y las ideas le llevan a Rusia, donde, por caprichos del azar, se unirá a un grupo de niños españoles, que fueron llevados a ese país con motivo de la guerra civil. 

La historia de esos niños es el alma de la película y el nexo que une muchas otras pequeñas historias, las de sus cuidadores, la del propio Álvaro, que se dibujan con rápidas pinceladas, veloces pero profundas. Nadie quita protagonismo a nadie, nadie juzga; no hay vencedores ni vencidos. Hay vidas, hay sentimientos, hay historias, hay la crueldad de una guerra y la crueldad de otra (la civil, la mundial). Hay reflexión y hay homenaje a esos niños a los que nadie les había dedicado antes una película.

La fotografía contiene unos matices adaptados a cada lugar, que recrean esa Rusia escenario del viaje. Impresionante la manera en que han conseguido hacer creíble una Suiza rusa. Fabuloso el trabajo de los niños de la escuela española, que salieron de sus aulas para convertirse en improvisados actores que bordan su trabajo.

Es una película bonita, entretenida, un aporte más a la conciencia colectiva de un país que tiene todavía que aprender a ver su pasado desde el reconocimiento de los errores y desde la calma. 

Visualmente, la película es sublime. Empieza con unos títulos de crédito que mezclan el éxodo de los republicanos que abandonaron el país con dibujos que bien podrían ser de esos niños exiliados. Salvo para los diálogos, en los que intercambia planos constantemente, no deja la cámara quieta. Hace travelings, breves planos secuencia... picotea de todo, y, en consecuencia, aporta una riqueza brutal. Si a esto le añades la belleza de los exteriores y la ambientación y la fotografía cuidadas al milímetro, te queda una verdadera maravilla visual.

La narración toca el corazón, y lo hace con un tratamiento imparcial y no sectario de la historia de España que reconoce lo bueno y lo malo que conllevamos todas las personas, independientemente que nos cataloguemos como "de izquierdas o de derechas".